Содержание:

Введение

Тема моей курсовой работы – цветопередача и сущность картины Альбера Марке «Неаполитанский залив».

Объект исследования – описание оригинала картины Альбера Марке «Неаполитанский залив».

Предмет исследования – анализ цветопередачи и сущности картины Альбера Марке «Неаполитанский залив».

Дата написания картины - 1909 год.

Цель работы: тщательно исследовать картину и научиться делать анализ живописных произведений.

При выборе темы для курсовой, мое внимание привлекла работа Альбера Марке «Неаполитанский залив». Анализ представленной картины и других работ данного художника даст мне определенный опыт в художественной области. Курсовая работа является ответственным заданием и знания, приобретенные в ходе работы, помогут в будущем, в профессии дизайнера.

ГЛАВА 1. АНАЛИЗ ТВОРЧЕСТВА АВТОРА

1.1 Краткий анализ творчества Альбера Марке в контексте эпохи.

Альбер Марке, французский художник считается признанным мастером пейзажа, хотя за свою жизнь он создал множество произведений в других жанрах — портретном и «ню» – изображении обнаженной натуры. Несмотря на то, что эти произведения также отличаются высоким мастерством и качеством исполнения, именно пейзажи мастера вызывают различные чувства (радость, тоску и т. д.) своим поэтическим настроем и будничностью объектов. Картины художника достаточно просты, но и тем необычайно являются привлекательными для публики [8].

Альбер Марке отдавал предпочтение пейзажам, связанным с водой- изображения Сены, побережий, гаваней и портов. Картина «Неаполитанский залив» также относится к такого рода пейзажам. Также художник любил изображать городские улицы, площади и скверы.

Методы изображения Марке можно назвать скупыми, даже «бедными» и простыми, тем не менее, его картины производят сильное впечатление на зрителя. Чувствуется рука настоящего мастера, уверенная, умеющая воспроизводить окружающую его реальность [8].

Пейзажи данного художника обычно не изображают никаких огромных, величественных сооружений или объектов. Предметами его пейзажей всегда становятся самые обычные места, такие как городские улочки и кварталы, группы деревьев, улицы — это все окружает человека каждый день.

Картина «Неаполитанский залив» была написана художником в начале ХХ века (1908 год). Эта картина, как и все остальные работы данного художника, была написана в стиле постимпрессионизм. Постимпрессионизм представляет собой совокупность художников, которые, несмотря на разнообразие стилей и направлений, объединены единым взглядом на развитие живописи. На формирование этого стиля, в большей мере, повлиял символизм.

Отличительные черты символизма:

-Непринятие действительности

-Нужна во внутреннем покое и равновесии

-Погружение в нереальный, фантастический мир и т. д.

Постимпрессионизм отличается от других направлений особой тонкостью техники и колористики. Постимпрессионисты делают больший упор не столько на изображенные объекты и предметы, сколько на передачу эмоций, чувственное восприятие, которое способствует формированию связи со зрителем. Художники, рисующие в данном художественном направлении, отходят от реальности в обыденном ее понимании, отодвигая ее на второй план. Они передают свои чувства и настроения через искаженные формы и игру цвета. Благодаря этому в работах постимпрессионистов появляется абстракция. Абстракция отличает постимпрессионизм от обычного импрессионизма. Именно из-за появления абстрактного изображения постимпрессионизм стал самостоятельным направлением в искусстве [8].

Благодаря глубокому изучению природы импрессионисты пришли к совершенно новой системе передачи цвета. Изучение солнечного света, изменяющего естественные цвета предметов, а также света в атмосфере природного окружения обогатило художников-импрессионистов новыми научными знаниями [11].

1.2 Анализ оригинала картины. Техника работы, использование красок и кистей.

Исходя из принципов работы данного художника, можно выявить, какие материалы были использованы при написании этого живописного произведения. При оценке произведения можно обратить внимание на используемый материал, в качестве которого было выбрано масло, а в качестве инструмента для нанесения кисть щетина. При применении такой кисти мазки приобретают резкое начертание и исполнение, что характерно для работы в стиле импрессионизма. Для данного стиля свойственно выполнение некоторых линий, штрихов и мазков в слегка небрежной манере, что позволяет получить воздушность, легкость, глубину пространства.

За счет такой техники исполнения, описываемая картина не выглядит плоской, она имеет фактуру, что дает представление объемности.

Для написания данного живописного произведения автор использовал палитру, состоящую из ярких красок, цветовых решений и колорита.

Размер холста, на котором была написана картина- 61,5 х 79,5 см, формат- горизонтальный.

Опираясь на принципы работы автора, следует предположить, что для работы над данным произведением Альбер Марке использовал кисть небольшого размера.

Вывод по главе 1: Альбер Марке — художник, работающий в стиле постимпрессионизм. В пейзажной живописи этого автора особое место занимала тема воды, изображаемая им в разные промежутки времени.

Проводя анализ живописных работ, можно понять технику работы автора, материалы, использовавшиеся при написании. Художник имеет свой стиль, отличающий его от остальных мастеров.

Тщательно исследовав работы Альбера Марке, можно выявить определенную тенденцию в его произведениях.

ГЛАВА 2. ИССЛЕДОВАНИЕ КАРТИНЫ-ОРИГИНАЛА

2.1 Общий анализ картины.

Существует несколько способов исследования картины. Одним из них является анализ произведения живописи, основанный на колорите полотна. Исходя из цветовых решений, которые использовал Альбер Марке при написании своей работы, можно выявить, как автор относился к окружающей его обстановке, о переданных художником настроениях и чувствах изображённых героев. Цвет в картине играет одну из главных ролей. Каждый цвет обладает присущей ему духовно-выразительной ценностью, что позволяет передавать наивысшие эмоциональные переживания и чувства [11]. Цвет, излучаемая им сила и энергия, действует на человека положительно или отрицательно, независимо от того, осознает зритель это или нет [11].

Каждый человек рассматривает картину со своей особой точки зрения, методом восприятия и мышления, поэтому тот сюжет, что видит зритель на картине, может отличаться от первоначально заложенного автором замысла 

Любое художественное произведение необходимо рассматривать как целостный образ, дополняемый различными деталями. Детали являются необходимыми элементами, которые помогают раскрыть смысл картины.

При начале анализа стоит обратить внимание на жанр произведения, так как жанр дает понять основополагающую часть картины. Представленное произведение написано в живописном жанре пейзаж. Пейзаж – жанр живописи, в котором основным предметом изображения является естественная или измененная человеком природа. Существует несколько разновидностей пейзажа, в зависимости от того, какое окружение на нем изображено, например:

-Морские;

-Природные;

-Городские и т.д.

Опираясь на представленное пейзажное произведение, можно сделать выводы об отношении и восприятии мира художником. Через свои картины автор передает свое уникальное видение окружающей реальности. В своих работах пейзажисты часто изображают элементы природы, которые обычный человеческий взгляд не замечает.

Анализ – это сложный мыслительный процесс. В ходе исследования нужно придерживаться определенной строгости, логичности и структурной правильности повествования. Анализ картины стоит начинать с ее композиции. Композиция – неотъемлемая составляющая любой картины, без которой не будет целостного изображения. Структурное устройство живописного произведения отвечает за то, как человек воспримет картину. В любом своем произведении художник стремится выстроить композицию так, чтобы изображенные объекты находились в наиболее выразительной форме. Все лишнее в картине отбрасывается, на холсте остается только лишь то, что действительно необходимо и является главным объектом в работе. 

В композиции одной из важнейших вещей является логическая взаимосвязь всех деталей, предметов и фигур. Основываясь на данной связи, живописное произведение приобретает единство, отсутствует раздробленность и бессвязное изображение объектов. Также композиция отвечает за расположение света и тени, объема на картине.

Для стиля импрессионизм характерно изображение ключевого предмета не в композиционном центре. В этом стиле основной предмет, на котором автор делает свой акцент, может находиться в любой части холста. Исходя из принципов изображения композиции в представленном стиле, можно понять, что главным объектом на данной картине художника является лодка, находящаяся на переднем плане. Смещение центра композиции происходит вследствие того, что художник пишет свою картину с натуры. Данный факт также является отличительной чертой импрессионизма. Такое перемещение композиционного центра придает изображению динамики. Также динамика проявляется в движении лодок, во взаимодействии лодочника с веслом (рис. 2.1). Этот вывод можно сделать, опираясь на то, в какой позе изображена данная фигура), в дыме на заднем плане.

При оценке композиции нужно обращать внимание на то, к какому типу она относится. Основные виды композиции:

-Открытая

-Закрытая

-Динамичная

-Статичная

-Симметричная

-Ассиметричная

Опираясь на то, как структурно устроена картина «Неаполитанский залив», можно понять, что в данном случае композиция является смешенной (динамичной и открытой).

Открытость характеризуется отсутствием четких рамок и границ. Любой человек может сам проанализировать картину и, основываясь на том, что изображено, предположить, как продолжается картина за пределами холста.

Рисунок 2.1. Фигура с веслом

Проводя анализ композиционного устройства, нельзя не затронуть тему пространства. На представленной исследуемой картине пространство является многоплановым. Многоплановое пространство при правильном размещении предметов на двух или более плоскостях. Одна из них — плоскость рисунка, другая — вторичность плоскости. Таким образом достигается эффект расположения одних предметов на изображении за другими. Для создания впечатления многоплановости работы используются различные приемы: наложение, контраст, ассоциации расстояния и т.д.

В пейзажах значимую часть играет такое понятие как линия горизонта. Линия горизонта — это горизонтальная линия, проходящая на уровне глаз [12]. На картине «Неаполитанский залив» линия горизонта находится выше середины холста. Выбор высокой или низкой линии горизонта в сюжете картины полностью зависит от художника [12]. Посредствам поднятия линии горизонта, большую часть картины занимает морское пространство.

В данной работе также присутствует такое понятие как ритм. Какой бы способ размещения фигур и предметов в искусстве не рассматривался, в композиции всегда появляются более четкие, ясные линии, массы и формы, а также более раздробленные и мелкие формы. Такая возникающая система линий, цвета и массы порождает определенный ритм и движение, являюеся важными частями композиции. Ритм — это упорядоченность, чередование каких-либо элементов, происходящее с определённой последовательностью, частотой. Исходя из этого, можно понять, что на представленной работе ритмичными элементами являются:

-Пятна на воде;

-Лодки;

-Частично облака на заднем плане.

Также стоит отметить, что ритмичность не обязательно должна проявляться в точной схожести предметов. Они могут немного различаться, но при этом все равно быть частями определенного ритма.

Следующим шагом в анализе живописного произведения будет исследование колорита и цветовых решений. Символика цвета, его субъективное восприятие и различное к нему отношение являются важными, ключевыми темами психологов, так же как и экспрессивное цветовое воздействие, обозначенное Гёте как его чувственно-нравственное проявление[11]. В распоряжении художника нет таких красок, которые могли бы в точности передать весь диапазон яркостей природы. Поэтому перед художниками стоит сложная задача – использовать взаимодействия цветов, опираясь на ряд особенностей зрительного восприятия. Живописец должен так передать каждый цвет, чтобы он воспринимался должным образом. Для того, чтобы наиболее точно передать цвет с натуры, нужно верно соотнести цвета между собой.

Наибольшее значение для создания художественного образа имеют отношения между цветовой реальностью и цветовым воздействием, между тем, что воспринимается глазом, и тем, что возникает в сознании человека.

Оптические, эмоциональные и духовные проявления цвета в искусстве живописи взаимосвязаны [11]. При выборе цветов, которые будут присутствовать в работе, нужно учитывать их эстетический аспект.

Для Альбера Марке, начиная с 1906 года, характерна яркая цветовая палитра. В исследуемой картине палитра является насыщенной, но при этом она не выглядит перегруженной.

Важную роль в колорите живописного произведения играет контрастность. Контрастность — это резкая противоположность в цветах. говорить о контрастах нужно тогда, когда, сравнивая между собой два цвета, между ними находятся четко выраженные различия. Посредством того, что анализируемое живописное произведение писалось художником солнечным днем, можно наблюдать четкий контраст между тенями и окружающим пространством. Больше всего выделяется зона тени под лодкой, расположенной на переднем плане. Она написана темным болотным цветом, который резко контрастирует с облегаемыми вокруг него светлыми мазками водяного пространства.

На любом живописном произведении идет преобладание каких-либо цветов. Данные цвета называются доминирующими. На исследуемой картине автор преимущественно использовал такие цвета, как белый (поверхность воды, облака) и голубой (небо, частично вода). Анализируя картину, можно прийти к выводу, что художник использовал различные оттенки и градации этих цветов.

Альбер Марке является настоящим гением и мастеров в своем деле. На представленном произведении художник продемонстрировал свой талант с помощью простых и резких мазков создавать эффект глубины и прозрачности воды. Автор сделал это с помощью органичного сочетания мазков разных, но при этом схожих по оттенку цветов.

При внимательном рассмотрении картины, можно заметить, что в водном пространстве присутствуют мазки синей, белой и голубой красок. По своей сущности вода является прозрачной, и, исходя из этого, можно понять, что с помощью добавления в море данных оттенков цвета, художник хотел передать отражающиеся в воде небо и облака.

Автор добился эффекта отражения не только при помощи комбинирования оттенков голубого, белого и синего, а также за счет особой техники написания самой воды. Мазки имеют волнообразную форму, которая свидетельствует о том, что на море в тот момент был небольшой ветер. Помимо всего вышесказанного, необходимо подчеркнуть, что на поверхности моря прослеживается белый блеск, который является еще одним свидетельством того, что в тот момент ярко светило солнце.

Стоит отметить, что на данном произведении идет сочетание небесно-голубого и болотного зеленого цветов. Если рассматривать их в цветовом круге, то можно понять, что по отношению друг к другу они являются родственными. На представленной картине данные цвета имеют теплый оттенок.

У каждого цвета есть свое психологическое и эстетическое свойство, которое в определенном смысле воздействует на зрителя. Также любому цвету присуща своя символика, которая, в зависимости от сюжета картины, трактуется по-разному. На анализируемой картине можно выделить основные цвета: белый и голубой в различных оттенках. Если исследовать их символику, то можно понять, что белый цвет говорит о свободе, тишине, воздушности, стабильности и легкости. Голубой символизирует чистоту, ясность, свободу.

Анализируя общий колорит картины, можно выявить, что в данном живописном произведении присутствует такое понятие, как контраст холодных/теплых оттенков. Красно-оранжевый — самый теплейший, а сине-зеленый — самый холодный цвет.

Чаще всего желтый, желто-оранжевый, оранжевый, красно-оранжевый, красный и красно-фиолетовый принято называть теплыми цветами, а желто-зеленый, зеленый, сине-зеленый, синий, сине-фиолетовый и фиолетовый — холодными, но подобная классификация цветов с легкостью может ввести в заблуждение. Точно так же, как полярности белого и черного представляют собой самый светлый и самый темный цвет, а все серые тона только относительно светлы или темны в зависимости от того, контрастируют ли они с более темными или светлыми тонами, так и сине-зеленый и красно-оранжевый как полярности холода и тепла всегда холодные и теплые, в то время как промежуточные цвета, расположенные между ними, могут быть холодными или теплыми только в зависимости оттого, контрастируют ли они с более теплыми или холодными цветами[11].

Характер холодных и теплых цветов можно было бы представить в таких сопоставлениях:

-холодный — теплый;

-теневой — солнечный;

-прозрачный — непрозрачный;

-успокаивающий — возбуждающий;

-воздушный — земной;

-далекий — близкий;

Эти различные способы проявления контраста холода и тепла говорят о его огромных выразительных возможностях, позволяющих добиться большой живописности произведения. В природе более удаленные предметы, в силу отделяющего их от нас воздушного слоя, всегда кажутся более холодными. Контраст холодного и теплого обладает также свойством влиять на ощущение приближенности и удаленности изображения. И это качество делает его важнейшим изобразительным средством в передаче перспективы и пластических ощущений[11].

Большинство цветов, представленных на картине, имеют различную градацию по признаку тепла/холодности (кроме ахроматических). На представленной картине небесно-голубой оттенок является теплым, а в контраст к нему идет голубо-сиреневый цвет гор, который на фоне небесно-голубого выглядит холодным. Происходит это за счет того, что горный массив находится дальше всего от зрителя и «прячется» за воздушным слоем.

Говоря о «качестве цвета», мы имеем в виду его чистоту и насыщенность. Слова «контраст по насыщенности» фиксируют противоположность между цветами насыщенными и приглушенными.

.Спектральные цвета, полученные путем преломления белого света, являются цветами максимальной насыщенности или максимальной чистоты. Среди пигментных цветов также имеются цвета максимальной насыщенности. В данном случаем контраст по насыщенности проявляется в горах и окружающих их облаках. Облака выглядят намного более блеклыми, чем яркие лавандовые горы[11] (см. рис. 2.2).

Также стоит отметить, что на представленной картине наиболее интенсивным и насыщенным по своему колориту является голубой. В противовес к нему идет черный цвет, который является ахроматическим. На фоне остальных цветов он выглядит самым темным.

В исследуемом живописном произведении присутствуют четкая контрастная разница между горами и окружающими их объектами. Посредством этого горные массивы видятся зрителем более легкими и воздушными, на фоне других объектов (см. рис. 2.2).

Рисунок 2.2. Горы.

Анализируя то, как на представленной картине устроен свет, можно прийти к выводу, что солнечное освещение изменяло природные цвета вещей.

Также, исследуя освещение на работе, нельзя не сказать то, что, в данном произведении оно естественное, то есть источником света является солнце. Такое написание освещения придает произведению яркости и насыщенности. Посредством пребывания на картине большого количества солнечного света, люди на анализируемой картине превращаются в простые очертания, силуэты и формы .Присущее данной картине нечеткое написание фигур говорит о единстве человека и окружающей его природы.

Светотень служили художнику важнейшим средством выражения формы, объема и пространственной глубины. Живописец осознанно избегал прямонаправленного света, поскольку изображение портретных черт и деталей помещения не были его целью. Марке достигал "атмосферности" среды, выстраивая перспективу не по законам геометрии, а интригуя разницей освещения планов, эффектом зеркальных отражений на поверхности воды.

В представленной работе Альбер Марке избегал смешивания красок на палитре и писал чистыми красками, короткими движениями кисти. За счет этого получился удивительный, живой, колеблющийся свет.

Тени на своей работе художник передавал с помощью цвета, а не черноты. Ощущение воздушности и легкости — контрастом холодных/теплых цветов.

Исходя из всего вышесказанного, можно сделать вывод, что свет на картине, и в особенности на пейзажном произведении, играет важную роль. В зависимости от степени освещенности, написанные на картине объекты, и в принципе все окружение, могут восприниматься по-разному.

Следующим шагом будет анализ деталей. Как уже говорилось ранее, в самом начале главы, детали — это необходимые элементы, помогающие лучше раскрыть сюжет и замысел картины. Отсутствие подробностей в живописном произведении делает его неживым и монотонным. Детали и элементы придают картине живости и реальности, так как весь окружающий мир наполнен огромным количеством предметов и целью некоторых художников является передача всего, что наполняет мир.

Анализируемую работу художник наполнил большим количеством деталей, и благодаря этому картина выглядит в глазах зрителей содержательной и интересной. Человек будет внимательно вглядываться во все части произведения, чтобы найти еще больше скрытых моментов.

На представленной картине есть как основные детали, которые выделяются фоне остальных, так и более второстепенные, которые служат дополнением. Главными объектами на данной работе являются лодка и фигура человека на переднем плане.

Они выделяются посредством того, что написаны с использованием черной краски, которая контрастно выделяется на фоне светлой воды.

Как было сказано раньше, в картине, помимо основных элементов, присутствует множество мелких деталей, например:

-Силуэты людей в лодке на заднем плане

-Дым от трубы

-Паруса

-Трубы и т.д.

Также стоит отметить, что на представленной для анализа картине присутствуют детали, которые выделяются на фоне общего колорита картины. Как пример можно указать красную полосу на барже на заднем плане (также стоит сказать, что это единственный фрагмент, на котором присутствует красный цвет). Помимо данного элемента, можно также выделить парус цвета охры на заднем плане (см. рис. 2.3).

Рисунок 2.3. Мелкие элементы с контрастными деталями

Возвращаясь к колориту картины, стоит проанализировать палитру основных цветов, использовавшихся в работе. На рисунке 2.4 представлена палитра главных цветов произведения, с помощью которых художник писал свою картину. Но также, помимо этих цветов, автор использовал и различные другие оттенки. Представленное цветовое сочетание не пестрит разнообразием цветов, но это не мешает анализируемому произведению выглядеть живо и привлекать к себе внимание зрителя. Представленные на рисунке 2.4 цвета гармонично сочетаются между собой. Также стоит сказать, что тут представлено 2 цвета, имеющие холодный колорит (небесно-голубой, светло-серый), и 2 цвета, имеющие теплый (болотно-зеленый и бежевый). Между ними находится полоска черного, ахроматического, цвета.

Рисунок 2.4. Палитра основных цветов.

Важным элементов картины является такая вещь, как цветовые пятна и контраст по площади расположения цветовых пятен. Цветовое пятно — это обобщенная область одного цвета. На рисунке 2.5 представленная графическая обобщенная копия исследуемой картины. Такое упрощение дает зрителю понять, какие основные цветовые пятна использовал художник в своей работе.

Исходя из анализа данной копии, стоит сделать вывод, что главными цветовыми пятнами на исследуемой картине являются:

-Ярко голубое небо

-Черные лодки

-Болотная тень под лодкой

-Сиреневые горы

-Поверхность моря.

-Облака

Переходя к анализу контраста по площади цветовых пятен, стоит сказать, что он характеризует размерные соотношения между двумя или несколькими цветовыми пятнами. Его сущность-противопоставление между «много» и «мало», «большой» и «маленький». На представленной копии можно увидеть, что примером данного контраста служит поверхность моря и тень от лодки. Если сравнивать соотношения представленных цветовых пятен, можно прийти к выводу, что по отношению к морю болотистая тень лодки будет маленькой и темной.

Рисунок 2.5. Графическая копия картины и основные цветовые пятна

Далее стоит обратить внимание на такую вещь, как перспектива. Перспектива — это принцип перенесения действительного мира на картину с визуальными искажениями пропорций тел, для передачи их положения в пространстве. Если нарушить законы построения, предмет, который находится дальше, может оказаться большего размера, чем нужно, и тогда нарушится вся композиция. В случае, если перспектива отсутствует, то изображение получится неправдоподобным и примитивным.

Для того чтобы пейзаж казался правдоподобным, он должен создавать у зрителя иллюзию глубины пространства. Для создания перспективы в живописи используют цвет, тон и фактуру[13]

На представленной картине перед зрителем предстает такое понятие, как воздушная перспектива. Воздушная перспектива — предметы теряют четкость по мере удаления в глубину картины. Принцип воздушной перспективы строится на том, что чем ближе объект приближен к зрителю, тем четче он прописан и, следовательно, наоборот — чем дальше элемент находится от зрителя, тем хуже он прописан. Художники часто комбинируют воздушную перспективу с линейной для того, чтобы придать работе большей объемности и расставить акценты.

Картина «Неаполитанский залив» имеет свою «точку входа». Точкой входа называют тот объект, который сразу обращает на себя внимание. На представленной работе такой «точкой входа» является лодка, расположенная на переднем плане. Она располагается к зрителю ближе всего, поэтому она сразу находится в центре внимания.

Помимо всего сказанного, стоит отметить еще один элемент. На рисунке 2.6 представлен фрагмент водного пространства, который следует исследовать внимательнее. При ближайшем рассмотрении четко проглядывается слегка розоватый оттенок. Можно предположить, что с его помощью художник хотел показать то, что солнце отражается на воде.

Рисунок 2.6. Фрагмент воды.

Следующим шагом в анализе представленного живописного произведения будет подробное исследование переднего и заднего плана. Стоит начать с переднего плана. При анализе переднего плана можно прийти к выводу, что он не наполнен большим количеством деталей. Данный факт не мешает переднему плану выглядеть интересно и проработано.

Также стоит отметить, что на переднем плане находится композиционный центр всей картины — лодка с фигурой человека, держащей весло. Данная лодка прописана детальнее остальных, что еще раз подчеркивает ее главенство над другими лодками.

При исследовании переднего плана стоит отметить один важный аспект. Морское пространство на переднем плане прописано большим количеством мазков, нежели вода на заднем плане. Таким образом автор хотел показать эффект отдаления.

Следует подчеркнуть, что в правом нижнем углу холста присутствует подпись художника.

Далее необходимо проанализировать задний план картины. Из исследования заднего плана следует, что он, в отличии от переднего плана, наполнен большим количеством деталей и объектов. Данная полнота дает сюжету картины большей насыщенности. Также стоит сказать, что задний план органично сочетается с переднем, они выглядят как единое целое.

Для большего углубления в творчество автора, стоит сравнить анализируемую картину с другой похожей работой данного художника. Исходя их того, что изображено на картине «Неаполитанский залив», и исследовав творчество Альбера Марке, следует сделать вывод, что для сравнения больше всего подходит произведение под названием «Порт в Неаполе» (в оригинале название этой картины звучит как «Baie de Naples», что переводится как «Неаполитанский залив», т.е. у данной картины 2 названия).

Сравнение двух работ стоит начинать с поиска схожих элементов, которые объединяют картины. Следует начать с того, что у обоих произведений схожая тематика — изображение моря в городе Неаполь, поэтому на этих картинах присутствуют одинаковые горы.

Далее стоит сказать, что также схожа предметная наполненность картин, в обоих работах присутствуют лодки, так как действия обоих картин происходят на воде.

Также следует сказать, что в картине «Порт в Неаполе» также как и в работе «Неаполитанский залив» присутствует воздушная перспектива.

Теперь стоит сказать о расхождениях. Первое, что сразу бросается в глаза — различие в колорите и цветовых решениях. На картине «Порт в Неаполе» цвета выглядят более тускло и мрачно. Также различается техника написания мазков — они не такие резкие, более спокойные и плавные. В особенности это заметно на воде.

Помимо всего вышесказанного, отличия также есть и во времени суток. Из-за общего колорита картины «Порт в Неаполе» кажется, что в то время, когда художник писал свою картину, было пасмурное утро. Также благодаря опущенным парусам создается впечатление полного покоя и штиля.

Рисунок 2.7. «Порт в Неаполе».

Исходя из всего вышеперечисленного, можно прийти к выводу, что представленная картина, как и большинство других картин, предназначена для рассмотрения с расстояния.

Одной из важных черт анализируемой работы является то, что данное работу нельзя поделить на части. Картина представляет собой единое целое, которое Все объекты и элементы имеют прочную сюжетную связь, исходя из которой, можно понять, что если поделить картину, она утратит смысл.

2.2 Анализ сущности картины

Важным пунктом в анализе картины является исследование ее сюжета и сущности в целом. Сущность картины — это то, что является самым главным в картине, ее основная идея и замысел.

Работа «Неаполитанский залив» написана в стиле постимпрессионизм и для этого стиля свойственно отсутствие сложного, продуманного сюжета. Это происходит за счет того, что художники, работающие в данном жанре, писали свои картины в «настоящий момент» с натуры.

Стоит сказать, что действия анализируемой работы разворачиваются в дневное время суток. Этому свидетельствует яркое солнечное освещение, цвет неба, блеск на воде. Погода на данном живописном произведении ясная, море почти полностью спокойное. Мелкие мазки волнообразной формы на поверхности моря свидетельствуют о небольшом ветре. Также о нем говорит поднятый серый парус на заднем плане.

На изучаемой картине представлен залив в городе Неаполь, что находится в Италии (отсюда и название картины «Неаполитанский залив»). Обстановка и атмосфера на работе обыденная, спокойная и тихая. Черные силуэты людей плывут по делам, при этом ритмично гребя веслом, на заднем плане развивается белый дым. Все на представленной картине говорит об умиротворенности. На заднем плане, анализ которого был ранее, красуется горный массив, который заволокли белые облака. Исходя из этого, можно понять, что горы прописаны не четко (тут художник применил принцип воздушной перспективы, который был описан ранее).

Каждая картина вызывает у зрителя те или иные эмоции. Кто-то, исходя из своих убеждений, будет воспринимать картину в одном ключе, кто-то в другом. Следовательно, эмоции и впечатления у каждого тоже будут разными. Один человек, при просмотре картины будет чувствовать спокойствие и легкость, другой радость и возбужденность.

Исходя из этого, можно предположить, что возможно есть люди, которым эта картина не нравится и вызывает исключительно отрицательные эмоции., но таких людей не много.

Столь чистая, свежая и живая картина не может вызывать плохих ощущений и эмоций. Благодаря особой техники работы, Альбера Марке, его картина «Неаполитанский залив» оставляет после просмотра у зрителя в голове исключительно положительные впечатления и образы.

Каждый смотрящий на данное живописное произведение хотел бы побывать в том месте, где оно была написано.

Представленная картина выглядит ярко и достаточно реалистично, несмотря на простые формы, которые выглядят весьма условно.

Вывод по главе 2: анализ произведений живописи — сложная задача. Перед человеком, проводящим исследование, стоит трудная цель — описать все, что есть на картине, не упустив никаких подробностей. Для этого надо обладать высокой степенью внимательности и ответственно относится к своему делу.

В главе под номером 2 был проведен анализ картины с точки зрения ее колорита, композиции, светотени и сюжета. Из всего описанного в главе можно сделать вывод, что картина "Неаполитанский залив" обладает большим количеством деталей, разнообразной и интересной палитрой.

ГЛАВА 3. ПОСЛЕДОВАТЕЛЬНОСТЬ ВЫПОЛНЕНИЯ КОПИИ КАРТИНЫ

В самом начале работы мы делали разметку холста А1. Мы, при помощи расчетов, выяснили, какого размера будет наша картина. Далее мы разбили получившийся прямоугольник на более мелкие прямоугольники. Также, как и холст, нам надо было разметить и цветную распечатку картины, размером А4. Нужно это для того, чтобы нам было удобнее и проще перенести детали с картины на наш холст. Также это надо для того, чтобы копия в конечном итоге получилась более похожей на оригинал.

Следующим шагом является перенос изображение на поверхность холста. Для того, чтоб сделать все ровно, надо внимательно смотреть на то, в каком прямоугольнике находится тот или иной объект (собственно для этого разметку и надо было делать) (см. ПРИЛ.1 Рис.1).

Далее мы приступаем к рисованию. Для этого мы используем краски гуашь марки «Сонет». В оригинале картина была написана маслом.

При рисовании нужно тщательно вглядываться то оригинал картины и стараться понять, какую технику использовал автор при написании этого произведения. Нужно пытаться повторить направление мазков, их ширину, колорит картины, правильное расположение объектов. Все навыки, приобретенные в ходе копирования и анализа картины, пригодятся в дальнейшем.

Я начала рисование свой копии с неба. Для того, чтобы получить нужный оттенок небесно-голубого цвета, надо смешать синий и белый цвета. Причем нужно добавить достаточно много белого цвета, чтобы добиться правильного оттенка и не сделать слишком ярко.

Следующим шагом для меня было рисование облаков. Они имеют не однородный цвет. Там сочетаются серый, белый, немного голубого и сиреневый цвета.

Далее я приступила к прорисовке гор, которые находятся на заднем плане. Для них надо было смешать более темный оттенок сиреневого и голубой. Пожалуй, самым сложным для меня было прорисовывание именно гор. Мне пришлось потратить достаточно много времени и сил для того, чтобы понять, какие цвета нужно смешать, чтоб получился нужный. Сначала он был слишком ярким, не как на оригинале (см. ПРИЛ. 1 Рис.2). В итоге мой цвет стал более похожим, чем был в начале.

Потом я перешла к прорисовке моря. Это было достаточно сложно, особенно подобрать нужный цвет и повторить точь-в-точь мазки и технику автора. Мне, к сожалению, не удалось в точности передать это.

Для того, чтобы передать текстуру и цвет моря, мне пришлось смешать достаточно много цветов (белый, темно-зеленый и синий). Далее я постепенно наносила мазки, пытаясь передать технику автора. Для начала я закрасила море белым цветом, с небольшим отливом голубого. Потом постепенно я наносила мазки подходящего цвета на нужные места. Сложнее всего для меня было передать темную тень под лодкой на переднем плане. Сначала цвет не совпадал с тем оттенком, что в оригинале, поэтому мне пришлось перекрашивать его. В итоге мне удалось добиться более-менее похожего цвета.

После прорисовки моря я перешла к рисованию черных объектов (лодки, люди-силуэты, предметы на заднем плане) (см. ПРИЛ. 1 Рис.3).

Далее я нарисовала серый парус на заднем плане и дымок от трубы. Мелкие детали рисовать было достаточно сложно, особенно дым.

Следующим моим шагом была небольшая корректировка облаков. Мне не нравилось, как они выглядят, поэтому я решила их исправить. Я сделала их светлее и немного поправила форму (см. ПРИЛ. 1 Рис.4).

В итоге мне удалось нарисовать копию картины (см. ПРИЛ. 1 Рис.5). Она получилась неплохо, но в ней есть определенные ошибки. Например, мазки на воде у меня не такие, как на оригинальной картине. Также стоит отметить, что в одном фрагменте воды присутствует легкий розовый оттенок, которого у меня нет. В моей работе не все цвета соответствуют оригиналу.

Для меня это был первый раз, когда я рисовала картину гуашью. Это, несомненно, был очень интересный и нужный опыт. Все знания, приобретенные в процессе копирования, пригодятся в дальнейшем будущем, при работе в сфере дизайна.

Нельзя не сказать то, что повторить в точности технику автора достаточно проблематично, особенно если учесть, что до этого я не рисовала никогда красками.

В процессе я потратила много краски, особенно белой. Мне пришлось потом докупать еще банку.

В общей сложности на всю работу (не считая предварительный набросок карандашом и разлиновку полотна) у меня ушло примерно 6 часов (или 4 пары).

Список использовавшегося материала при копировании:

-Лист размером А1

-Гуашь «Сонет»

-Кисти щетина №10, №11

-Цветная распечатка картины на формате А4

-Палитра

Вывод по главе 3: Копировать картину достаточно сложная и трудоемкая работа. На это требуется много времени и терпения. Несомненно, это полезный опыт. Я рада, что мне досталась именно эта картина, потому что она не слишком детализирована и проработана, не много цветов. Данная проделанная работа в копировании картины другого художника является ценным и познавательным опытом. С помощью него мы научились более точно работать с красками и кистями, развивали внимательность и аналитическое мышление.

Заключение

В заключение могу сказать, что анализ картины - это не так просто. Для того, чтоб понимать, как проводить исследование той или иной картины, надо обладать определенными знаниями. В процессе анализа я узнавала новые определения, и я точно могу сказать, что теперь обладаю некоторыми новыми знаниями, касающимися исследования и изучения картин.

В моей жизни это был первый опыт написания такой объемной и трудоемкой работы (а также я впервые познакомилась с таким понятием как «курсовая работа»). Могу сказать, что эта работа мне понравилась, даже несмотря на все те трудности, с которыми я столкнулась по ходу работы.

По началу, мне было сложно понять, как правильно проводить анализ и с чего начинать. Но позже, когда я поняла, как это надо делать, мне стало проще.

Самым сложным во всей курсовой работе для меня было сделать копию картины. Мне пришлось хорошо постараться, чтобы она получилась более или менее хорошо. Но и письменная часть курсовой работы для меня была не менее сложной.

В письменной части для меня самой трудной оказалась 2 глава. Она должна была быть самой информативной из всех 3 глав, поэтому я старалась наполнить ее максимальным количеством информации.

Самой же легкой для меня была 3 глава, потому что описать свои последовательные действия при копировании картины не особо сложно. В процессе я научилась видеть и исправлять свои ошибки.

Нельзя не сказать про то, что при написании курсовой работы мне помог такой предмет как колористика и цветоведение. Благодаря нему я смогла разобрать свою картину и проанализировать ее.

Впереди меня, как и остальных, ждет еще много подобных работ по другим предметам. После данной проделанной работой над курсовой, я набралась опыта и с последующими работами мне будет легче.

СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННЫХ ИСТОЧНИКОВ

1. Дрозд, А. Н. Декоративная графика: учебное наглядное пособие – Изд-во: КемГУКИ, 2015. – То же [Электронный ресурс]. – URL:http://biblioclub.ru

2. Смекалов, И. В. Изучение классических произведений живописи дизайнерами: учебно-методическое пособие. / И. В., Смекалов, С. Г.Шлеюк; Оренбургский гос. ун-т – Оренбург: ОГУ, 2014. – 97 с. – То же [Электронный ресурс]. – URL:http://biblioclub.ru

3. Кандинский В. В. О духовном в искусстве (живопись) . – 1989. –73– То же [Электронный ресурс]. – URL:http://biblioclub.ru

4. Омельяненко, Е.В. Основы цветоведения и колористики: учебное пособие / Е.В. Омельяненко; Министерство образования и науки Российской Федерации, Федеральное государственное автономное образовательное учреждение высшего профессионального образования «Южный федеральный университет», Педагогический институт. – 2-е изд., перераб. и доп. – Ростов-н/Д: Издательство Южного федерального университета, 2010. – 183 с. – То же [Электронный ресурс]. – URL:http://biblioclub.ru

5. Шиков, М.Г. Рисунок. Основы композиции и техническая акварель: учеб. пособие / М.Г. Шиков, Л.Ю. Дубовская. 2-е изд., стер. – Минск: Вышэйшая школа, 2014. – 167 с., илл. http://biblioclub.ru/

6. Шевелина, Н. Ю. Графическая и цветовая композиция. Пропедевтика: практикум. / Н. Ю. Шевелина. – Екатеринбург: Архитектон, 2015 – 33с. http://biblioclub.ru/

7. Коллекция: мировая художественная культура. Российский образовательный портал [электронный ресурс] – URL: http://artclassic.edu.ru (дата обращения 18.11.2019).

8. Музеи мира. Биография художников. Российский образовательный портал [электронный ресурс] - https://muzei-mira.com/biografia_hudojnikov/1982-alber-marke-kratkaya-biografiya-spisok-kartin.html (дата обращения 20.11.2019)

9. Art plane [электронный ресурс] - http://art-plane.ru/postimpressionizm-v-zhivopisi (дата обращения 20.11.2019)

10. Арт-пейзаж [электронный ресурс] - http://www.art-paysage.ru/article/vidy-peizazhej/ (дата обращения 01.12.2019)

11. ColorScheme [электронный ресурс] - https://colorscheme.ru/art-of-color/introduction.html (дата обращения 10.12.2019)

12 Izo Life [электронный ресурс] - https://izo-life.ru/liniya-gorizonta/ (дата обращения 10.12.2019)

13. Уроки рисунка [электронный ресурс] - https://narisuem.com/vozdushnaya-perspektiva.html (дата обращения 14.12.2019)

ПРИЛОЖЕНИЯ

Приложение 1.

Рисунок 1. Начальный этап с наброском.

Рисунок 2. Здесь показан этап, где был неправильно подобран цвет и который, в последствии, пришлось поменять на более подходящий.

Рисунок 3. Момент прорисовки моря и лодок.

Рисунок 4. Прорисовка мелких деталей.

Рисунок 5. Законченная копия.

Приложение 2.

Список используемых терминов

Аддитивные смеси — смеси цветов, основанные на их сложении и независимые от их спектрального состава.

Ахроматические цвета — цвета, не имеющие цветового тона и отличающиеся друг от друга только по светлоте (белые, серые и черные цвета).

Выступающие (отступающие) цвета — цвета, субъективно кажущиеся ближе (дальше) своего фактического положения в пространстве.

Вычитание цветов — процесс образования цвета в результате поглощения части световых лучей.

Дополнительные цвета — два цвета, дающие третий — ахроматический, при оптическом смешении в определенных количественных соотношениях. дополнительные цвета антагонисты, находятся напротив, на прямо-противоположной стороне цветового круга.

Интенсивность цвета — качество цвета, зависящее от его светлоты и от его насыщенности.

Колориметрия — наука о способах измерения (определения) цветов, выражающая каждый цвет посредством трех величин: коэффициента отражения (доли падающего света, отражаемой данной цветной поверхностью), длины волны спектрального цвета (одинакового по оттенку) и процента чистоты (то есть доли участия чистого спектрального цвета в общей яркости цвета).

Контраст цветов — изменение цветов под влиянием других, окружающих их цветов (одновременный контраст) или под влиянием цветов, предварительно наблюдавшихся (последовательный контраст).

Контрастные цвета — цвета, наблюдающиеся на ахроматических поверхностях в результате влияния окружающих или соседних хроматических цветов (несколько отличаются от дополнительных).

Локальный цвет — основной цвет объекта, не претерпевший изменений под воздействием освещения и окружающей среды.

Насыщенность цвета — степень отличия хроматического цвета от равного ему по светлоте ахроматического; степень цветности.

Независимые (бесфактурные) цвета — цвета, не локализующиеся в пространстве и не выявляющие поверхности, ее фактуры и рельефа.

Неизбирательное поглощение — поглощение, при котором различные спектральные лучи поглощаются в равной мере.

Объемные цвета, пространственные цвета — цвета, воспринимаемые в трех измерениях.

Основные свойства цветов — светлота (англ. Brightness), цветовой тон (англ. Hue) и насыщенность (англ. Saturation).

Основные цвета (цвета первого порядка) — три цвета (киноварно-красный, изумрудно-зеленый и ультрамариново-синий), которые нельзя получить путём смешивания. Но, путем оптического смешения этих основных цветов можно получить наиболее насыщенные цвета всех остальных цветовых тонов.

Оттенок — градация цветового тона в пределах одного цвета.

Поверхностные цвета — цвета, выявляющие фактуру и рельеф поверхности.

Полутень — промежуточные градации яркости между тенью и освещенными участками поверхности объемного объекта.

Пространственное смешение цветов — один из видов оптического смешения цветов; слияние различных мелких цветовых образов на расстоянии, с образованием суммарного (общего) цвета.

Светлота (англ. Brightness) — качество цвета, в отношении которого его можно приравнять к одному из оттенков ахроматической (бело-серо-чёрной) шкалы; относительная яркость.

Светлотные (яркостные) отношения — относительные отличия цветов по светлоте (по яркости).

Светотень — распределение яркостей по поверхности освещенной объемной формы; совокупность яркостных градаций на объемной форме, обусловленная освещением.

Теплые цвета — цвета, ассоциирующиеся с цветом огня, солнца, накаленных предметов: красные, красно-оранжевые, оранжевые желто-оранжевые, желто-зеленые цвета спектра.

Тон (в терминологии художников) — термин, употребляющийся в двух значениях: 1) для определения яркости цветов или поверхностей, 2) для определения цветности, то есть цветового тона.

Тональность — подчиненность всех цветов композиции условиям единства среды.

Трансформация цветов — нивелирование изменений в цвете, вызванных освещением, при осознании условий этого освещения.

Фактура — видимое строение (структура) поверхности.

Холодные цвета — цвета, ассоциирующиеся с цветом воды, льда и других холодных объектов: голубо-зеленые, голубые, голубо-синие, синие, сине-фиолетовые.

Хроматические цвета — цвета, обладающие цветовым тоном; все цвета, кроме ахроматических (белых, серых и черных).

Цветовой круг (спектр) — расположение всех цветовых тонов по окружностям: замкнутый ряд цветов, отличающихся друг от друга по цветовому тону, причем цветовой тон изменяется в последовательности спектра, замкнутого, через пурпурные цвета.

Цветовой тон (англ. Hue) — качество цвета, в отношении которого цвет можно приравнять к одному из цветов спектральных или пурпурных; выражается словами: красный, оранжевый, желтый, зеленый и т. д.; качество, определяющее место цвета в цветовом круге.

Цветовые отношения (отношения цветов) — относительные отличия цветов, в основном по цветовому тону.

Яркость — количество света, отражаемого в определенном направлении и приходящееся на единицу площади поверхности, видимой с этого же направления.

Яркостные отношения цветов — отношения цветов по светлоте.

Приложение 3.

Справка об антиплагиате