Цветопередача и сущность картины Альбер Марке «Ярмарка в Гавре» (БИОГРАФИЯ. ДЕТСТВО И ЮНОСТЬ)

Содержание:

ВВЕДЕНИЕ

Искусство – это одна из самых важных ценностей в нашей жизни на данный момент , по мимо того что это эстетично это ещё и хорошее развитие для тех людей которые хотят развиваться и развиваются в этой сфере. Это очень востребовано в нашей жизни сейчас , не смотря на то что это все появилось достаточно давно. Существует очень много выставок и много чего ещё на данный момент.

Специфика занятия изобразительным творчеством дает широкие возможности для познания прекрасного, для развития у детей эмоционально-эстетического отношения к действительности.

Альбер Марке — пожалуй, одна из самых важных фигур во французской да и в мировой живописи начала ХХ века. И пусть Марке известен меньше, чем его друг Анри Матисс, знать о нем необходимо:  без его наследия не обошлась коллекция ни одного из мало-мальски значимых музеев, а ГМИИ им. А.С. Пушкина и музей Современного искусства города Парижа в этом году пышно отмечают 140-летие со дня рождения

Говоря об искусстве Марке, даже знаток смутится в определении стиля. Если Сезанн был одним из китов постимпрессионизма (наряду с Ван Гогом и Гогеном), а Матисс — диким зверем фовизма, то с Марке все отнюдь не так однозначно. Вместе с Матиссом наш герой учился в «оазисе свободы» — мастерской символиста Гюстава Моро в Школе изящных искусств и участвовал в ключевом для этой группы художников Осеннем салоне 1905 года. Тогда живописцы и были наречены критиком Луи Вокселем дикими зверями. Контраст ярким полотнам создавал стоящий посреди экспозиции бюстик как раз таки авторства Марке, и в весьма неоклассическом духе. Его Воксель, будущий автор термина «фовизм» (от французского fauve — «дикий») смело сравнил с Донателло. Цвет и форма у Марке сильно отличались от тех, какие были приняты у главных фовистов — Матисса, его товарища Дерена или, например, Вламинка. Вместо ярких и чистых красок — монохромные, меланхоличные пейзажи с видами Сены. А натюрморты с фруктами и вовсе напоминают сезанновские. 

В 1934 году Марке посетил СССР. И пусть фовизм к тому моменту уже изжил себя, уроки парижского гостя восприняли на ура советские студенты. Результат — очевиден: серые пейзажи художников сталинского режима 30-х (от Антонины Софроновой до Николая Лапшина) остаются все такими же серыми, но приобретают узнаваемый флер меланхоличности.

Россию с Марке связывает не только тот факт, что полотна мастера активно покупал наиболее продвинутый из русских меценатов начала ХХ века — Сергей Щукин. В 1934 году по приглашению ВОКС (Всесоюзное общество культурной связи с заграницей) художник приехал в Ленинград, а затем посетил Москву и несколько провинциальных городов. И хотя впечатление о русской живописи у Марке исчерпывается всего лишь тем, что «Коровин неплох», французский мастер оказывает сильное влияние на советских художников. Речь о молодых дарованиях ВХУТЕМАСа — высших художественных мастерских, которые впоследствии незначительно переименуют, заменив «мастерские» на «институт». Среди русских последователей, которых художник осенил во время организованной ВОКСом встречи (кстати, весьма безрадостной, судя по мемуарам), — Софронова, Рыбченков, Маврина и Лапченков. Что показательно: вдохновившись творчеством заезжего француза, ВХУТЕМАСовцы бросились писать речные пейзажи во всех вариациях. Выходило в основном меланхолично — чувствуется, Марке слушали внимательно. 

Полотна Марке — целиком и полностью об атмосфере, в них нет событийности или кого-либо нарратива: Свободы, ведущей народ,  не ждите. На большинстве картин — Париж серых, болотистых и голубовато-сизых красок: так и чувствуются присущая городу сырость и холодный воздух. Марке передает атмосферу Парижа, избегая полного набора клише от художников предыдущего поколения — кафе с любителями абсента, пляски в Мулен Руж, идиллические посиделки в парках. Второй излюбленный жанр художника, как ни странно,— солнечные марины (этим словом искусствоведы называют любое полотно на морскую тему) с разноцветными флажками и нарядными морячками.

Не спешите очаровываться: сам Марке был человеком весьма закрытым и неразговорчивым. Матисс даже сравнивал его с моднейшим в Париже японским гравером Кацусика Хокусаем, у которого даже пейзажи по меланхоличности могли бы дать фору поздним фильмам Андрея Звягинцева.

ГЛАВА 1

БИОГРАФИЯ. ДЕТСТВО И ЮНОСТЬ

Альбер Марке родился 27 марта 1875 года в Бордо, в семье железнодорожного служащего.

С 1890—1895 учился в парижской Школе изящных искусств, в классе Гюстава Моро. Некоторое время был близок к фовистам, дружил с Матиссом и Дереном, его работы экспонировались на групповой выставке в Осеннем салоне 1905 года и Салоне независимых в 1906-м. Занимался книжной иллюстрацией (роман Ш.-Л. Филиппа «Бюбю с Монпарнаса», 1903). С 1919 жил в небольших городках области Иль-де-Франс много путешествовал, в том числе был в СССР (1934).

В 1920 году вышла первая монография о творчестве художника. Годы Второй мировой войны он провёл в Алжире, где впервые побывал в 1911 году вместе с Матиссом; участвовал в Сопротивлении. В 1945 году вернулся в Париж. В 1947 году Марке перенес тяжелую операцию, в этом же году художник умер.

Имя при рождении	фр. Pierre Léopold Albert Marquet
Дата рождения	27 марта 1875
Место рождения	Бордо
Дата смерти	14 июня 1947 (72 года)
Место смерти	Париж
Гражданство	Франция
Жанр	Живопись
Учёба	Национальная высшая школа изящных искусств Высшая национальная школа декоративного искусства[d]
Стиль	Постимпрессионизм

Преобладающая часть работ Марке — пейзажи, чаще всего связанные с Сеной, а также взморья и гавани; городские виды, в том числе Парижа. Их отличает крайняя простота изобразительных средств и, вместе с тем, изысканная выразительность. Оставил большое графическое наследие (хранится в музее Мальро в Гавре). На выставке в парижской Галерее Дрюэ было представлено 39 композиций Марке.

Альбер Марке говорил: «Когда я начинаю картину, я не знаю, как её закончу»[1].

По словам М. Ю. Германа, искусство Марке: «Учит людей понимать драгоценные паузы и ждет тишины, возможно еще не наставшей».

ПЕРИОД СЕЗАНИЗМА: 1910—1916

Но алжирские "краски Востока" и общение с Матиссом не прошло бесследно: в середине 1910-х яркие декоративные орнаменты вновь появляются в творчестве Марке. На этот раз в сопровождении обнаженной натуры. Марке натуралистично изображает женскую фигуру, но вырывает ее из реального пространства, заменив его на абстрактный фон с цветочными узорами. Благодаря этому автору удается сконцентрировать внимание зрителя на женском образе.

В 1911 году Марке путешествует с Матиссом в Алжир. Эта поездка изменила отношение художника к пейзажу и цвету в живописи. К этому времени у него появляется несколько цветовых гамм – своя для каждого города. Алжир ассоциируется у Марке с белым, Париж – с серебристо-серым, а морское побережье юга Франции – с песочным и бирюзовым. Через эти гаммы художник каждый раз передает настроение места.

ПОСТ - РЕВОЛЮЦИОННЫЙ ПЕРИОД: 1917—1925

В частности, в Музее представлены материалы о поездке и впечатлениях Марке в СССР. В экспозицию также входят произведения выпускников ВХУТЕМАСа–ВХУТЕИНа 1920-х годов, представителей московской группы «13» и ленинградского объединения «Круг художников», которые в изображении городских пейзажей Москвы и Ленинграда решали пластические задачи, близкие к поискам французского живописца.

«РАДОСТЬ ДИКАРЯ»

В  Музее Современного искусства Парижа открылась выставка замечательного французского художника Альбера Марке (Albert Marquet).  Марке (1875-1947) занимает важное место в истории живописи. Художник был учеником Густава Моро и начинал вместе с Анри Матиссом, с которым дружил всю последующую жизнь. В начале своей карьеры Марке был близок к фовистам, однако в дальнейшем создал свой собственный стиль. Марке известен прежде всего как автор морских и городских пейзажей и является, как и его друг Матисс, непревзойденным колористом, хотя работы Марке гораздо более камерные. Может это и объясняет, почему, будучи при жизни уважаемым и известным художником, после смерти  он не получил широкой известности. Выставка в Музее Современного искусства должна исправить эту несправедливость.

Масштабная ретроспективная выставка произведений Альбера Марке (1875–1947) в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина.

Всего на выставке представлено 69 работ, которые сгруппированы в четыре раздела: «Марке и фовизм», «Париж Марке», «Путешествия художника», «Марке в России». Помимо 49 полотен самого Марке будут показаны работы его друзей-фовистов – Рауля Дюфи, Анри Мангена, Андре Дерена, Мориса де Вламинка, а также произведения российских художников, испытавших влияние французского мастера, – Антонины Софроновой, Бориса Рыбченкова, Татьяны Мавриной, Николая Лапшина и Александра Ведерникова.

ИЗОБРАЖАТЬ ТО, ЧТО УХОДИТ

Помимо необузданного «дикого» умения передать на холсте цветом чувственные ощущения, Машков отличался организационными способностями. Он жаждал упорядочивать, собирать, делать – самое время вспомнить о его стремлении создавать руками. Он был одним из организаторов «Бубнового валета», потом его секретарем. В 1915 году его приняли в «Мир искусства». В этом же году – второй брак, на этот раз со своей ученицей, художницей Еленой Федоровой. Она изображена на «Натюрморте с женской фигурой».

Революцию Машков принял с восторгом, как и многие другие авангардисты. Занимался профсоюзом художников, состоял во множестве сообществ и организаций, преподавал живопись, во-вторых, Свободных государственных мастерских (в которые превратилось Московское училище живописи, ваяния и зодчества), а затем – в Высших художественно-технических мастерских.

Параллельно бурной организационной деятельности он начал писать совсем иного толка картины, так называемые «музейные натюрморты Машкова». Это изобилие фарфора, алой мебели, декоративности. Сопоставив с историческим контекстом, понимаем, что всё это в постреволюционные годы довольно активно разрушалось. И речь отнюдь не о случайном совпадении. На выставке Ассоциации художников революционной России (АХРР) «Революция, быт и труд» в 1925-м году Машков выставляет знаменитый триптих «Снедь московская»: «Хлебы», «Мясо, дичь» и «Фрукты». В изготовлении составляющих «Хлебов» принимала участие уже третья и последняя жена Машкова, художница Мария Данилова, которая испекла некоторые «атрибуты» собственными руками. Оглянувшись на исторические события, понимаем, что страна в этом время мучительно отходила от попыток создания военного коммунизма и впереди тоже маячили не золотые времена. И вдруг – такая роскошь, такое изобилие! Прощание с едой? 

Речь не о том, что Машкой был диссидентом – отнюдь. В юношестве презирающий авторитеты, он бьется за каждую грамоту и каждое звание в СССР и с гордостью цитирует к месту и не к месту аббревиатуры организаций, в которых «состоит и привлекается». В данном случае, вероятно, имеет место ситуация, когда творчество выходит за рамки взглядов личности. И машковские несказанно яркие, притягательные, безусловно вкусные яства, кажется, предчувствуют свою судьбу – надолго превратиться из еды в муляжи.

Картины приняли, а от художника стали ждать шедевра на революционную тему. Он едет в Крым, собирает впечатления, пишет импрессионистские пейзажи и портреты – отправленные в крымские дворцы рабочие и крестьяне, множество купальщиц, пляжи. Портретам Машкова не свойственен психологизм, люди у него представляют слепок формы, функции. Но от него по-прежнему ждут революционного панно.

И тогда Илья Машков решает отправиться на свою родину, в Волгоградскую область, где пишет серию крестьянских портретов и пытается обучать живописи крестьянских детей, а также проявляет необычайно активную деятельность в создании в родной станице в бывшем помещении церкви Дома культуры. По собственноручно сделанному им эскизу изготавливают вывеску «Дом Социалистической культуры (ДСК) имени заслуженного деятеля искусств профессора И.И.Машкова». Он отправляет послания в органы и сетует в них на несознательность станичников, которые, кулаки упертые, не светятся от счастья, осознав возможность, бросив всё, строить коммунизм. Например, жалуется, что его старания в создании ДСК «кулацким агентам и другим вредным элементам как в городе Урюпинске, так и в хуторе Михайловском – не по вкусу. Установить, кто именно персонально это такие люди для точности и пользы дела при желании вышеперечисленные органы могут выяснить в кратчайшие сроки сами».

А на его картинах румяные колхозницы пышут здоровьем, на них смотреть тепло и сытно! Всё в лучших традициях натюрмортов Машкова. Но сегодня-то мы знаем, что 30-е годы – это жестокий голод в Поволжье… Певец плоти и чувственности снова пишет о том, что уходит, уже ушло?

ВНЕЗАПНЫЙ ПОСТМОДЕРНИЗМ ИЛИ ПРОГРАММНЫЙ СТАЛИНИЗМ?

Источники

Альбе́р Марке́ (фр. Albert Marquet, 27 марта 1875, Бордо — 14 июня 1947, Париж) — французский художник-постимпрессионист, близкий к фовистам.

Альбер Марке родился 27 марта 1875 года в Бордо, в семье железнодорожного служащего.

С 1890—1895 учился в парижской Школе изящных искусств, в классе Гюстава Моро. Некоторое время был близок к фовистам, дружил с Матиссом и Дереном, его работы экспонировались на групповой выставке в Осеннем салоне 1905 и Салоне независимых 1906. Занимался книжной иллюстрацией (роман Ш.-Л. Филиппа «Бюбю с Монпарнаса», 1903). С 1919 жил в небольших городках области Иль-де-Франс много путешествовал, в том числе был в СССР (1934).

В 1920 вышла первая монография о творчестве художника. Годы Второй мировой войны он провёл в Алжире, где впервые побывал в 1911 вместе с Матиссом; участвовал в Сопротивлении. В 1945 вернулся в Париж. В 1947 году Марке перенес тяжелую операцию, в этом же году художник умер.

Преобладающая часть работ Марке — пейзажи, чаще всего связанные с Сеной, а также взморья и гавани; городские виды, в том числе Парижа. Их отличает крайняя простота изобразительных средств и, вместе с тем, изысканная выразительность. Оставил большое графическое наследие (хранится в музее Мальро в Гавре). На выставке в парижской Галерее Дрюэ было представлено 39 композиций Марке.

Альбер Марке говорил: «Когда я начинаю картину, я не знаю, как её закончу».

По словам М. Ю. Германа, искусство Марке: «Учит людей понимать драгоценные паузы и ждет тишины, возможно еще не наставшей».

ОСОБЕННОСТИ ТВОРЧЕСТВА ХУДОЖНИКА

ПЕРИОД СОЦРЕАЛИЗМА: 1926—1944

 Триель, 1931, все — Париж, частные собрания). В период 1930-х в творчестве Марке проявились романтические интонации: пейзажи ночного Парижа пронизаны беспокойными ритмами, динамикой вспыхивающих, фосфоресцирующих цветов (Новый мост ночью, 1937, Париж, Нац. музей современного искусства; Ночной Париж, 1937, Париж, частное собрание). Годы оккупации Марке провел в Алжире. В 1945 вернулся в Париж.

Марке проявил себя как талантливый рисовальщик, иллюстратор, мастер акварельной живописи.

В 1934 году Марке посетил СССР. И пусть фовизм к тому моменту уже изжил себя, уроки парижского гостя восприняли на ура советские студенты. Результат — очевиден: серые пейзажи художников сталинского режима 30-х (от Антонины Софроновой до Николая Лапшина) остаются все такими же серыми, но приобретают узнаваемый флер меланхоличности. Об этом — ниже.

Что Марке делал в СССР (и чем это закончилось)

Россию с Марке связывает не только тот факт, что полотна мастера активно покупал наиболее продвинутый из русских меценатов начала ХХ века — Сергей Щукин. В 1934 году по приглашению ВОКС (Всесоюзное общество культурной связи с заграницей) художник приехал в Ленинград, а затем посетил Москву и несколько провинциальных городов. И хотя впечатление о русской живописи у Марке исчерпывается всего лишь тем, что «Коровин неплох», французский мастер оказывает сильное влияние на советских художников. Речь о молодых дарованиях ВХУТЕМАСа — высших художественных мастерских, которые впоследствии незначительно переименуют, заменив «мастерские» на «институт». Среди русских последователей, которых художник осенил во время организованной ВОКСом встречи (кстати, весьма безрадостной, судя по мемуарам), — Софронова, Рыбченков, Маврина и Лапченков. Что показательно: вдохновившись творчеством заезжего француза, ВХУТЕМАСовцы бросились писать речные пейзажи во всех вариациях. Выходило в основном меланхолично — чувствуется, Марке слушали внимательно.

ГЛАВА 2

ЦВЕТОВАЯ ОРГАНИЗАЦИЯ ПРОИЗВЕДЕНИЯ ИЛЬИ ИВАНОВИЧА МАШКОВА «Ярмарка в Гавре» 1906

«Ярмарке в Гавре» написана в период расцвета фовизма. Марке до конца своих дней дружил с Анри Матиссом. Но даже в разгар увлечения фовизмом его картины все же не были в достаточной мере «дикими».

Черты фовистического направления – яркие цвета, широкие окрашенные плоскости, декоративность – присущи этой картине. Но вместе с тем Марке не спешит уходить от пространства к плоскости, с помощью усиления интенсивности цветовых аспектов он создает перспективу. А яркие цвета так изящно распределены по холсту, что, пожалуй, в отношении этой работы знаменитое высказывание Луи Вокселя, обвинившего группу Матисса в том, что «они швырнули публике в лицо банку с красками», – несколько избыточно. 

Ранние работы Марке представляли собой импрессионистические пейзажи. К 1906 году он с импрессионизмом окончательно простился. Его мазок во многом похож на импрессионистический, но отход от этой традиции выдает в том числе благосклонность к черному цвету, который импрессионисты не использовали, а фовисты – вполне. Марке любил применять черный как цветовой камертон, позволяющий зрителю видеть контрасты самого светлого и самого темного. С удовольствием он использует и контур, чаще всего в виде штриха-мазка, нередко черного цвета. 

«Ярмарку в Гавре» по тональности и общему настроению сравнивают с работами Альфреда Сислея. Но по тонкости изображения, общему лиризму и изяществу рисунка Марке того периода до Сислея, пожалуй, не дотягивает. 

Нередко, характеризуя работы Марке, говорят об идеальном сочетании конкретного и общего. В отношении этой картины – весьма конкретен пейзаж, а люди представляют собой скорее некий образ людей, идею о людях, в них никакой конкретики мы не найдем. Такой подход достаточно типичен для Марке: в его пейзажах практически всегда есть следы людей, так или иначе фигурируют люди, но при этом они максимально обобщены. А вот в картинах, изображающих Неаполь, уже и сам пейзаж теряет конкретику, и Неаполитанский залив становится не самим морем, а чудесной мечтой о море.

ЦВЕТО-ТОНОВОЙ АНАЛИЗ КАРТИНЫ

«Ярмарка в Гавре» 1906год - натюрморт

Контраст теплохолодности присутствует во многих цветах. В воде , домах .

Используются пигменты : красный , фиолетовый , белый , чёрный , синий

Данный натюрморт я выполняла в трех разных этапах:

• Линейный
• Тональный
• В цвете

ЭТАП 1

ЛИНЕЙНАЯ КОМПОЗИЦИЯ

В литературном творчестве линейная (прямая) композиция – это такое построение художественного произведения.

Тут, с помощью линий, я показала размещение объектов

ЭТАП 2

ТОНАЛЬНАЯ РАЗРАБОТКА

Своя цветовая тональность, так или иначе, свойственна любому предмету или объекту мира. Тем более, она присуща — и любому произведению изобразительного искусства. Однако в ряде случаев можно говорить о заметном или даже доминирующем обратном влиянии, которое тональность оказывает на самого художника или на публику вокруг его картин.

ЭТАП 3

В ЦВЕТЕ

Цветовой тон – одна из основных характеристик цвета (наря­ду с цветонасыщенностью), определяющих его оттенок по отноше­нию к основному цвету спектра и выражающаяся словами «голу­бой, лиловый, коричневый» и т. д. Различия в названиях красок в первую очередь указывают на цветовой тон (например, изумрудная зелень, лимонная желтизна).

В живописи тоном называют также основной оттенок, обоб­щающий и подчиняющий себе все цвета произведения и сообщаю­щий колориту цельность. Краски в тональной живописи подбира­ются с расчетом на объединение цветов общим тоном.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ

https://afficha.info/?p=7951

https://ru.m.wikipedia.org/wiki/Марке,_Альбер

https://www.artsmuseumshop.ru/events/Alber-Marke-Raspakhnutoe-okno-Proizvedeniya-iz-muzeev-i-chastnykh-sobraniy-Rossii-i-Frantsii/

https://veryimportantlot.com/ru/news/obchestvo-i-lyudi/alber-marke-tvorchestvo-i-kartiny

https://www.wikiart.org/ru/alber-marke

https://evg-crystal.ru/kartiny/alber-marke-kartiny.html

https://m.facebook.com/theartsmuseum/posts/2918666578148615?locale2=ar_AR