Стиль рококо в искусстве и архитектуре Франции. Творчество Антуана Ватто, Франсуа Буше, Жана Оноре Фрагонара

Содержание:

Введение:

Рококо - одно из интереснейших стилевых направлений в искусстве, которое следует изучать, так как для времени своего господства он проявил только ему присущие особенности в архитектуре, скульптуре и, конечно же, в живописи. Живопись рококо является наиболее интереснейшей частью художественной культуры. Эта сфера включает в себя идеи, основа которых лежит в прошлом, но неразрывно связана с настоящим. И эта связь является существенным историческим звеном, заложившим основы изучения данного вида искусства.

Цель работы: комплексное и всестороннее исследование живописи рококо.

Задачи:

- описать периоды возникновения стиля рококо живописи рококо

- выявить необходимость обращения к стилю рококо

- показать особенности и принципы живописи в стиле рококо;

- проанализировать семантику определённых мотивов в изображениях;

- подробно описать значение живописи рококо.

- рассмотреть синкретизм всех сфер стиля рококо.

- ознакомиться с представителями живописи рококо.

- стиль рококо в архитектуре Франции

Пример появления стиля рококо, во всей его необычности и непохожести на остальные, рассматривается как эволюция каноничности стилей, появления нового течения в искусстве.

1. Век под лозунгом «искусство как наслаждение»

Художественной культуре каждого исторического периода присущ свой, только для него характерный и им обусловленный и поэтому неповторимый стиль со своими особенностями, своеобразием пластического языка.

Рококо - стилистическое направление европейского искусства первой половины и середины XVIII века, получившее распространение во Франции, Германии, Австрии и других странах. Первоначально ярче всего этот стиль проявился в аристократических кругах Франции. В ранний период рококо во Франции (примерно до 1725 года) существовал так называемый “стиль регентства”. С началом нового, XVIII столетия совершенно очевидно обозначился процесс разложения французской абсолютной монархии. Смерть в 1715 году ”короля-солнца” Людовика XIV, в последнее десятилетие лишь формально сохранившего могущество, была просто завершающим событием в том длинном ряду явлений, которые подготавливали приход нового века, а с ним и новых веяний в искусстве. Начало регентства герцога Орлеанского, дяди будущего короля Людовика X, было ознаменовано сменой строгого придворного этикета совершенно противоположной сферой: легкомыслия, жажды наслаждений, развлечений, роскоши не столь тяжеловесной, как в ушедшую пору и жизненного распорядка не столь торжественного. Но в этом бурном веселье, желании успеть насладиться всем была и доля бравады тревоги, предчувствие краткости мгновения надвигающихся грозных бедствий.

Рококо получил своё название от характерного для данного стиля орнамента рокайль. Рокайль (от фр. rok - скала, утёс) - главный элемент орнамента стиля рококо, напоминающий форму завитка раковины. Появился во Франции в начале XVIII века, при украшении парковых павильонов - гротов деталями, имитирующими природные элементы - морские раковины, причудливые растения, камни, обломки скал. Этим объясняется происхождение названия “рокайль”. В последствии этот термин стал обозначать все изгибающиеся, вычурные, необычные формы, напоминающие раковину, неровную жемчужину, камень.

Многие исследователи считают рококо лишь ответвлением позднего барокко, потерявшим монументальность великого стиля. Рококо - порождение исключительно светской культуры, ещё уже - двора, французской аристократии, тем не менее оно сумело не только оставит след в искусстве ,но и повлиять на дальнейшее её развитие.

2. Новаторство стиля рококо и его распространение

Особенности художественной техники.

Изображениям искусства XVIII столетия в лучших произведениях свойственны анализ тончайших переживаний человека, воспроизведение нюансов чувств и настроений. Интимность и лиризм образов, но и аналитическая наблюдательность - характерные черты искусства XVIII века как в жанре портрета, так и в бытовой живописи.

Не случайно термин “рококо” возводят к слову “раковина”, “рокайль”. Сюжеты только любовные, эротические, любимые героини - нимфы, вакханки, Дианы, Венеры.

Портрет и пейзаж не случайно очень важные в эту эпоху жанры. За легкомыслием, остроумием и насмешливой иронией рококо были и раздумья о судьбе человека, о смысле существования.

В своих колористических исканиях рокайльные мастера шли от Рубенса, Веронезе и венецианцев, но предпочитали не их насыщенные сочные цвета, а бледные полутона: красный становится розовым, синий - голубым, появляются лимонно-жёлтые, блекло-голубые, розовые, сиреневые цвета, даже вымышленные - вроде “цвета бедра испуганной нимфы”.

Преобладание салонно-эротических, мифологических и пасторальных сюжетов, отказ от прямых линий, ордерной системы, светлые тона, воздушная лёгкость, изысканность и причудливость форм, а также утончённая декоративность художественных решений показывают, что для рококо в живописи характерен уход в область “чистого искусства”.

Живопись рококо - станковые картины, панно, росписи - отличается дробностью и асимметричностью композиций. Обилием декоративных аксессуаров и деталей, изысканным сочетанием светлых красок и тонов.

Изменение тенденций рококо

Рокайльная тематика проникает в декоративную живопись России, отразившую парадную нарядность екатерининского и елизаветинского времени. В пасторалях картины реальной действительности подменялись изображениями беззаботной жизни, искусственно возвышенных, экзальтированных чувств. По словам К. Маркса “исторической скверне противопоставляют не знающее развития состояние идиллии”.

Станковым картинам начинают предпочитать эмалевые миниатюры-талисманы. Желание иметь небольшие по формату портреты в медальонах или на табакерках входит в моду. Становится потребностью почти всех завсегдатаев великосветских салонов. Мода на них в России была сильна в то время благодаря работам французских мастеров портретной миниатюрной живописи.

Художник был призван радовать глаз и не тревожить ум и сознание, умилять гармонией форм и красок. В живописные полотна пришла грация настроений, чувственность, беспечная лёгкость, порой тёплый юмор, ощущение жизни как постоянного праздника. В станковой живописи этого времени создаются лучшие детские портреты, очевидно, потому что маленьких персонажей не было необходимостью наделять глубоким душевным содержанием.

Искусство сближалось с бытом, его эталоном становится не героическая исключительность, а обычная жизненная человеческая норма. При частичном сохранении торжественности и официальности изображаемого парадного типажа, характер личности становится мягче и нежнее, поза персонажа непринужденнее.

Светская живопись, как и скульптура эпохи рококо, отказалась от обращения к драматическим сюжетам, а вместе с тем и от развёрнутого познания и отражения реальной жизни. В произведениях живописцев отсутствует действие, в них господствуют отвлечённое элегическое настроение, глубоко интимный подтекст, пристальное внимание к оттенкам настроения. Откровенно чувственно-поэтический, подчас изящно-жеманный характер живописных полотен сочетается с неглубоким идейным содержанием. При этом полотна рокайльных живописцев очаровательны и привлекательны.

Жан Антуан Ватто.

Предвестием этого направления в искусстве, но и явлением значительно более глубоким, не укладывающимся в рамки какого-то одного направления, был художник Жан Антуан Ватто, создавший в искусстве свой, неповторимый образ. Ватто нашел себя, свою тему, когда приехал в Париж: это так называемые галантные празднества - аристократическое общество в парке, музицирующие, танцующие, праздное; живопись, в которой как будто нет ни действия, ни сюжета, - сцены беспечной жизни, переданные с утонченной грацией. Все это увидено как бы со стороны тонким, чуть ироничным наблюдателем с налетом меланхолии и грусти. Колорит Ватто - одно из сильнейших качеств его дарования - построен на тонких нюансах серых, коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых тонов. В картинах Ватто никогда нет чистого тона. Как в цвете даны все тончайшие оттенки любовного чувства. В 1717 году художник создал одно из самых больших произведений "Паломничество на остров Цитеру". В этой картине отражена тончайшая палитра чувств, которая прежде всего создана самим цветом. Но все это не любовь, а игра в любовь, театр. Театральность характерна для всего искусства XVШ в., и для Ватто особенно. Он не скрывает театрального приема в композиции. Искусство театра не только было модно в век Ватто, театром была вся жизнь общества, которое пишет художник.

Ватто вообще очень близко знал актерский быт и не раз писал актеров итальянской и французской комедии. Делакруа называл технику Ватто изумительной, объединившей Фландрию и Венецию. В самом конце жизни Ватто создал свою последнюю работу - это вывеска антикварной лавки, которая так и называется "Лавка Жерсена". В ней он возможно хотел показать, как быстротечна "слава мира", как коротка власть и сама жизнь, а вечно лишь одно искусство.

Франсуа Буше.

Подлинным представителем французского рококо стал Франсуа Буше, ибо в его искусстве гедонизм рококо, доходящий до фривольности, пренебрежение к конструктивному, рациональному, разумному, как и вся утонченная культура "рокайльного языка", выразилось в полной мере.

Франсуа Буше (1703-1770), французский живописец, рисовальщик, гравер и декоратор. Родился 29 сентября 1703 в Париже, где и прожил всю жизнь. Самым известным из его учителей был Франсуа Лемуан. В 1723 Буше получил гран-при Королевской академии и в 1727 отправился на четыре года в Италию. В Риме на него произвели особенно сильное впечатление декоративные работы Пьетро да Кортона и Джованни Ланфранко. Несомненно, художник был знаком и с венецианской традицией монументально-декоративной живописи, хотя неизвестно, ездил ли он в Венецию; позже Буше стал коллекционировать рисунки Тьеполо.

В 1734 Буше стал членом Королевской академии, с 1755 - директором Королевской мануфактуры гобеленов, а десятью годами позже - директором Королевской академии живописи и скульптуры и «первым живописцем короля». Умер Буше в Париже 30 мая 1770.

Буше - самый знаменитый и удачливый мастер, работавший в стиле рококо. Он получал заказы на создание декоративных картин для резиденций короля и мадам де Помпадур, а также частных особняков в Париже. Буше делал декорации для опер и спектаклей и картоны для гобеленов мануфактуры Бове; две серии картонов, Итальянские деревенские праздники (1736) и Благородная пастораль (1755), находятся в коллекции Хантингтон в Сан-Марино (Калифорния). Достойны внимания многочисленные серии гравюр Буше, среди которых иллюстрации к произведениям Мольера и других авторов, а также серия «Крики Парижа» с изображениями уличных сценок. Художник выполнял также эскизы для изделий из фарфора Венсенской и Севрской мануфактур.

Спектр сюжетов картин Буше охватывает всю тематику, характерную для стиля рококо. Он обращался к литературным, аллегорическим и мифологическим сюжетам (особенно связанным с Венерой), изображал деревенские ярмарки, фешенебельную парижскую жизнь, игривые экзотические «китайские» сценки и пасторали, писал пейзажи и портреты, а иногда и картины на религиозные темы.

У Буше во всем чувствуется свойственное рококо сочетание острой наблюдательности и декоративной утонченности, чувственной непосредственности и игривого притворства. Среди его лучших произведений - картина «Туалет Венеры» (1740, Стокгольм, Национальный музей) и Портрет «мадам де Помпадур».

Жан Оноре Фрагонар.

Жан Оноре Фрагонар (1732-1806), французский живописец и график. Учился в Париже у Ж.Б.С. Шардена, Ф. Буше, К. Ванлоо, во Французской академии в Риме (1756-1761); работал в Париже. В 1789-1794 Фрагонар был хранителем Национального музея - Лувра. Продолжая традиции искусства рококо, Фрагонар достиг особой проникновенности в воссоздании лирических сцен повседневной жизни, сферы интимных человеческих чувств, поэзии природы. Его произведения, исполненные трепетной эмоциональности, чувственной неги, ощущения радости бытия, отличаются изысканной декоративностью колорита, легкостью живописной манеры, плавными композиционными ритмами (“Качели”, 1766, собрание Уоллес, Лондон; “Праздник в Сен-Клу”, 1775, Французский банк, Париж; “Поцелуй украдкой”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Тонкие светотеневые эффекты характерны для офортов и многочисленных рисунков Фрагонара - штудий натуры и пейзажей, выполненных в технике сангины, бистра, иногда сепии. Связь с рококо проявляется в заостренно-пикантных и вместе с тем иронических ситуациях ("Свидание", "Погоня").

Художник стремился передать интенсивную красочность реального мира, любил теплую золотистую гамму, игру света. Стиль и манера Фрагонара разнообразны, они менялись, эволюционировали от декоративного решения то к классическому, с характерным для него точным, упругим рисунком и локальным сдержанным цветом, данным в границах формы («Задвижка!», 1778г.), то к романтическому, с типичной для него экспрессивностью мазка, живописностью (серия портретов 1760-х гг.), тонкостью световоздушных эффектов. Он мастер мимолетного наброска с натуры. В портретах Фрагонар стремился запечатлеть творческую импульсивность, душевную взволнованность, страстность переживаний, которые должны неизбежно перейти в действие, вывести за пределы обыденности, из интимной сферы жизни. Художник смело разрушал каноны аристократического портрета XVIII в. В «Портрете Дидро» (Париж, частное собрание) он запечатлел философа в мгновение внутреннего озарения, оторвавшегося от чтения, с устремленным вдаль вдохновенным взглядом. Экспрессивная роль света, динамика композиционного и живописного решения рождают впечатление изменчивости натуры. За пределы портретного жанра несколько выходит образ «Вдохновения» (1769, Париж, Лувр), подчиненный одной страсти -- патетическому взлету мысли, мечты. В интимно-лирических портретах Фрагонара наметились тенденции, ставшие характерными для романтизма XIX-го века.

Стиль рококо в архитектуре Франции

С угасанием «великого века» монументальный архитектурный стиль второй половины 17 столетия сменился новым художественным направлением – красочно-нарядным, изысканным рококо. Сложившись в 20-е годы 18 века, рококо достигло расцвета в 30–40-е годы. В это время строительство из Версаля было окончательно перенесено в Париж, который сохранил славу самого богатого и красивого города Европы. Архитектура утрачивала тенденцию к грандиозным ансамблям, подражавшим Версалю, но беспредельная тяга к роскоши принимала лишь новую форму. На смену усадебному замку 17 века пришел городской дом, отель – утопавший в зелени садов небольшой особняк французской аристократии, верхушки буржуазии, разбогатевших ростовщиков. Залитые светом, изысканные салоны и будуары отелей становились феерическим фоном для частной жизни и быта аристократической верхушки, вырвавшейся после смерти Людовика XIV из-под деспотической опеки королевского двора.

Интерьер
Часы в стиле рококо

Интерьер бального зала
в стиле рококо

Интерьер зала
в стиле рококо

В особняках рококо уже не было характерного для классицизма единства решения наружного объема и внутреннего пространства, архитекторы часто отступали от логической ясности и рационального подчинения частей целому. Если в фасаде отеля и сохранились представительность и строгость дворца 17 века, то пропорции становились легкими, а внутренняя планировка изменялась. Принцип парадной анфиладности не выдерживался, проявлялась тяга к разнообразию в расположении комнат, к композициям асимметричным, разорванным, лишенным объединяющей оси. Внутреннее пространство получило свободное и рациональное расположение в соответствии с требованиями комфорта. Небольшие по размерам уютные комнаты, предназначенные для повседневного обихода, и залы обособлялись, их делали различными по форме в зависимости от назначения. Жилые комнаты обычно располагались вдоль второго фасада, обращенного в сад. Уделялось внимание и удобствам.

Интерьеры отелей рококо поражают безудержной роскошью, ювелирной тонкостью отделки. Излюбленная овальная форма залов своими криволинейными очертаниями уничтожает конкретную определенность стены, а система декораций лишает их материальности. Все переходы и грани закругляются. Светлый камень, приглушенных тонов, нежно-розовые, голубые и белые шпалеры, изящные резные панели усиливают впечатление легкости и жизнерадостности. Невысокий рельеф растительного лепного орнамента то выступает из стен, то как бы растекается по их поверхности. Асимметричные завитки разветвляются, то расширяясь, то втягиваясь в узкие полосы. Мотивы цветов, масок, обломков скал, раковин животных вкрапливаются в узоры и образуют «чарующий стенной убор». Типичный образец рококо – интерьер отеля Субиз (1730-е годы), созданный архитектором Жерменом Боффраном (1667–1754). Его овальный зал отмечен грацией форм, непринужденным изяществом. В создании целостного пространства большую роль играет овальная форма плана. Его плавная динамика находит развитие в мягком закругленном переходе от стены к плафону, аркам окон, в формах зеркал, дверей, декоративных рам, волнообразных контурах живописных панно, в изысканной игре линий асимметричного орнамента, образующего тонкое кружево декора плафона и стен.

Стены, обшитые легкими панелями, членятся нишами на три части; нижние прямоугольной формы панели образуют устойчивое основание, на них покоятся полуциркульные арки, они завершаются живописными панно («Амур и Психея» и другие композиции). На границах между стенами, плавно переходящими в пологий купол, расположены панно с причудливым плетением растительного орнамента, его радиальные полосы тянутся к центру плафона. Хрупкие, изящные лепные рокайли (формы плоских раковин) сплетаются с лепными цветочными гирляндами и стеблями, с лентообразными обрамлениями. Композиция декора пронизана легким, капризным ритмом. Заключенные в причудливые рамы зеркала и картины включаются в архитектурное убранство, разнообразя поверхность стен. Расположенные одно против другого, зеркала дают множество отражений, обманчиво расширяющих пространство интимного салона – архитектурный образ словно переносит человека в мир мечты и иллюзий. Живопись с воздушным пейзажным фоном, сохраняя плоскость стены и ритмом объединяясь с декором, подчеркивает связь интерьера с уютными уголками парка реальной природы.

Неотъемлемая часть интерьера – мебель: резные нарядные столики-консоли на двух ножках, инкрустированные комодики и секретеры, удобные мягкие кресла и диваны с узорной обивкой, с гибкими причудливыми очертаниями спинок и ножек. С модными китайскими ширмами сочетались восточные безделушки и хрустальные сверкающие и переливающиеся оттенками люстры, бра в виде вьющихся веток, настольные жирандоли с трепещущими хрустальными навесками, хрупкие фарфоровые статуэтки, гобелены, изящные мелочи – драгоценные игрушки из серебра, черепахи, перламутра, эмали, янтаря и т. д. Заплетающий их формы, струящийся орнамент с его сложным ритмом связывает все эти предметы в единый ансамбль с интерьером. Потребность в роскоши породила во Франции в 18 веке множество мастеров, наделенных воображением, тонким вкусом и остроумием: столяров, резчиков, литейщиков, ювелиров, ткачей и т.д., которые передавали секреты своего мастерства из поколения в поколение. Оформлением архитектуры интерьера и прикладным искусством много занимались Ж. О. Мейссонье (1693–1750) и Ж. М. Оппенор (1672–1742).

Заключение

Живопись рококо, действительно, явилась выражением настроений, царивших в придворных, аристократических кругах. Французские аристократы, словно предчувствуя свой скорый конец, спешили развлекаться и жили “одним днём”.

Многие исследователи до недавнего времени отказывали рококо в самостоятельности как стилю, считая его вариантом позднего барокко, который утратил монументальность и величественность. Пышность и яркость, действительно, роднили этот стиль с барокко. Однако искусство рококо имело ярко выраженные, только ему присущие особенности. За внешней игривостью скрывалось совершенство формы, блестящий художественный вкус и новое прочтение человека, далёкое от ренессансно-барочной трактовки совершенной личности.

Рококо первым из стилей продемонстрировал ироническое и скептическое отношение к тому, что ранее считалось благородным, избранным и возвышенным. Так изменились критерии физической красоты. Если Возрождение ценило в человеке цветущую силу, полнокровное тело, то художественное сознание рококо отрицало всё могучее, крепкое. Художественно привлекательными теперь считались хрупкое, холёное тело, бледное лицо, у женщин - тёмные глаза. Рококо больше не ждал от своих героев подвигов и преодоления себя. Новыми качествами личности объявлялись нежность, кокетливость, игривость, лёгкость и непринужденность в общении, остроумие. Рококо привнёс в искусство любовь к сельским идиллиям и пасторалям. Однако, покинув величественные дворцовые интерьеры, искусство обнаружило тягу к психологии своих героев, их чувствам и переживаниям. И здесь рококо ждало открытие. За внешним весельем и беспечностью он первым из стилей сумел увидеть в человеке грусть и смятение, почувствовать ощущение зыбкости и неустойчивости бытия. В этом состояло главное отличие рококо от барокко. Искусство рококо намного ближе подошло к реальной действительности, стало более интимным и оттого более искренним. Оно создало свой собственный язык форм, начисто отбросив столетиями культивируемые ордерные каноны и логику конструктивной и тектонической выразительности. Стилевая система его строится на зрительном преодолении материальной весомости конструкций, на свободной и абстрактной пластической моделировке пространственных и орнаментальных композиций, на тонко прочувствованной линии лёгкого, полного непринужденности аппликационного живописного декора, в котором проявилось непревзойденное, блистательное мастерство стилизации. На основе архитектуры рокайльных построек синтезировалось жанровое многообразие искусств. Синтез искусств обеспечивал им единый художественный эффект, максимальную впечатляющую выразительность, эстетически полноценную пластическую декоративность и привлекательность. В рококо была достигнута почти первобытная синкретическая нерасчленённость жанров искусства: скульптура и живопись сливались с архитектурой, театр - с парком и самим образом жизни салона, хореография - с этикетом и манерами поведения.

Список литературы:

1. Виппер Б.Р. Введение в историческое изучение искусства. М., 1985. С. 166-167.

2. Гартман К.О. Стили. Ч.1-2. / К.О. Гартман. - М.: Искусство, 2000. - 268с.

3. Грабарь И.Э. О русской архитектуре: Исследования. Охрана памятников. М., 1969. С. 44.

4. Лукомский Г.К. Краткий каталог музея Большого Екатерининского дворца и его исторический очерк. С. 47.

5. Маркс К., Энгельс Ф. 2-е изд. Соч. Т. 4. С. 297.

6. Стасов В.В. Декоративно-прикладное искусство XVIII в.//Русское искусство XVIII в. Мю, 1973. С. 81.

7. Энциклопедия для детей. Т. 7. Искусство. Ч.2. Архитектура, изобразительное и декоративно-прикладное искусство XVII - XX веков / ред. Коллегия: М. Аксёнова, Н. Майсурян - М.: Аванта+, 2006. - 517с.

☺