Преподаватель который помогает студентам и школьникам в учёбе.

Реферат на тему: Взаимосвязь искусства и философии в эпоху Ренессанса

Содержание:

Введение

У человечества своя биография: младенчество, юность и зрелость. Эпоху, которую называют Ренессансом, скорее всего можно уподобить периоду зарождающейся зрелости с присущей ей романтикой, поиском индивидуальности, борьбой с предрассудками прошлого. Без Возрождения не было бы современной цивилизации. Италия была колыбелью искусства эпохи Возрождения или ренессанс.

Искусство Возрождения возникло на основе гуманизма - течения общественной мысли, зародившейся в XIV веке. в Италии, а затем во второй половине XV - XVI вв. распространился на другие европейские страны. Гуманистов вдохновляла древность, которая служила для них источником знаний и образцом художественного творчества. Великое прошлое, постоянно напоминавшее о себе в Италии, воспринималось в то время как высшее совершенство, в то время как искусство средневековья казалось неуклюжим и варварским. Основан в XVI веке. термин возрождение означал появление нового искусства, возрождающего классическую античность, античную культуру.

В искусстве Возрождения были тесно переплетены пути научного и художественного постижения мира и человека. Его познавательный смысл был неразрывно связан с возвышенной поэтической красотой; в своем стремлении к естественности он не спускался до мелкой повседневности. В эпоху итальянского Возрождения принято выделять несколько периодов: проторенессанс (вторая половина XIII - XIV века), ранний ренессанс (XV век), высокий ренессанс (конец XV - первые десятилетия XVI века), поздний ренессанс (последние две трети XVI в.).

Проторенессанс. Истоки ренессанса

В итальянской культуре XIII - XIV вв. на фоне еще сильных византийских и готических традиций стали проявляться черты нового искусства - искусства будущего эпохи Возрождения. Поэтому этот период его истории получил название Проторенессанс (то есть подготовил наступление Возрождения; от греч. Pro-tos - первый).

Подобного переходного периода не было ни в одной из европейских стран. В самой Италии искусство проторенессанса существовало только в Тоскане и Риме.

В итальянской культуре черты старого и нового переплелись. Последний поэт Средневековья и первый поэт новой эпохи Данте Алигьери (1265–1321) создал итальянский литературный язык, начатый Данте, был продолжен другими великими флорентийцами XIV века - Франческо Петрарка (1304–1374), основоположник европейской лирической поэзии, и Джо Ванни Боккаччо (1313–1375), основоположник жанра романа (рассказа) в мировой литературе. Гордость эпохи - архитекторы и скульпторы Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио и художник Джотто ди Бондоне.

Раннее Возрождение

В XV в. Итальянское искусство заняло доминирующее положение в художественной жизни Европы. Основы гуманистической светской (т. е. не церковной) культуры были заложены во Флоренции, отодвинув Сиену и Пизу на задний план. Флоренцию в то время называли цветком Италии, соперницей славного города Рима, из которого она возникла и чьему величию подражает . Политическая власть здесь принадлежала купцам и ремесленникам, а несколько богатейших семей оказали особое влияние на дела города. Они постоянно соревновались друг с другом. Эта борьба закончилась в конце XIV века. победа банковского дома Медичи. Его глава Козимо Медичи стал неофициальным правителем Флоренции. Писатели, поэты, ученые, архитекторы и художники стекались ко двору Козимо Медичи (а затем и его внука Лоренцо по прозвищу Великолепный).

Тогда в архитектуре произошла настоящая революция. Во Флоренции началось масштабное строительство, изменившее облик города прямо на наших глазах.

Высокое Возрождение

Высокое Возрождение, подарившее человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан, Браманте, охватывает сравнительно небольшой период - с конца 15 века. до конца второго десятилетия 16 века. Только в Венеции искусство процветало до середины века.

Фундаментальные сдвиги, связанные с решающими событиями мировой истории, успехами передовой научной мысли, бесконечно расширяли представления людей о мире - не только о Земле, но и о Космосе. Восприятие мира и человеческой личности, кажется, расширилось; В художественном творчестве это отразилось не только в величественном масштабе архитектурных сооружений, памятников, торжественных циклов фресок и картин, но и в их содержании, выразительности образов. Живописный язык, который, по мнению некоторых исследователей, в эпоху раннего Возрождения мог показаться слишком разговорчивым , стал обобщенным и сдержанным. Искусство Высокого Возрождения - это живой и сложный художественный процесс с ослепительными взлетами и падениями и последующим кризисом.

Леонардо да Винчи

В истории человечества непросто найти другого столь же яркого человека, как основоположник искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи (1452-1519). Всеохватывающий характер деятельности этого великого художника и ученого стал ясен только при изучении разрозненных рукописей его наследия. Леонардо посвящена колоссальная литература, подробно изучена его жизнь. Тем не менее многое в его творчестве остается загадочным и продолжает волновать умы людей.

Леонардо да Винчи родился в деревне Анчиано недалеко от Винчи, недалеко от Флоренции; он был внебрачным сыном зажиточного нотариуса и простой крестьянки. Заметив незаурядные способности мальчика в живописи, отец отправил его в мастерскую Андреа Верроккьо. В педагогической картине Крещение Христа фигура одухотворенного белокурого ангела принадлежит кисти юного Леонардо.

Среди его ранних работ - картина Мадонна с цветком (1472 г.). В отличие от мастеров 15 века. Леонардо отказался от повествования, использования деталей, отвлекающих внимание зрителя, насыщенных изображениями фона. Картина воспринимается как простая, бесхитростная сцена радостного материнства юной Марии. Две большие фигуры заполняют все пространство картины, только за окном в темной стене видно чистое холодное голубое небо. Запечатлен конкретный момент: мать, сама по себе еще ласковая и живая девочка, протягивает ребенку цветок, улыбаясь, и наблюдает, как серьезный ребенок внимательно рассматривает незнакомый предмет. Цветок соединяет обе фигуры вместе. Леонардо много экспериментировал в поисках различных композиций красок, он одним из первых в Италии перешел от темперы к масляной живописи. Мадонна с цветком выполнена в этой пока еще редкой технике. Работая во Флоренции, Леонардо не нашел применения своим силам ни как ученый-инженер, ни как художник, утонченная изысканность культуры и сама атмосфера двора Лоренцо Медичи оставались ему глубоко чужды. Около 1482 года Леонардо поступил на службу к миланскому герцогу Лодовико Моро. Мастер зарекомендовал себя в первую очередь как военный инженер, архитектор, специалист в области гидротехнических работ, а уже потом как художник и скульптор. Однако первый миланский период творчества Леонардо (1482–1499) оказался наиболее плодотворным. Мастер стал самым известным художником Италии, занимался архитектурой и скульптурой, обращался к фрескам и алтарным росписям.

Не все грандиозные замыслы, в том числе архитектурные, Леонардо удалось реализовать. Конная статуя Франческо Сфорца, отца Лодовико Моро, существовала (с перерывами) более десяти лет, но никогда не была отлита из бронзы. Глиняная модель памятника в натуральную величину, установленная в одном из дворов герцогского замка, была разрушена французскими войсками, захватившими Милан.

Это единственная крупная скульптурная работа Леонардо да Винчи, получившая высокую оценку современников. Представление о статуе можно составить на основе чертежей, изображающих разные варианты и этапы работы над ней. Изначально статуя изображала стремительно движущегося всадника на вздыбившейся на дыбы лошади, но ее отливка оказалась технически невозможной, позже мастер нашел более непринужденное решение. Памятник Сфорца должен был более чем в полтора раза превосходить конные памятники Донателло и Верроккьо. Памятник прозвали Великим Колоссом.

Картины Леонардо миланского периода сохранились до наших дней. Первым запрестольным образцом Высокого Возрождения была Мадонна в Гроте (1483–1494). Художник отошел от традиций 15 века, в росписях которого преобладала торжественная строгость. На запрестольном образе Леонардо несколько фигур: женская Мария, младенец Христос, благословляющий маленького Иоанна Крестителя, и стоящий на коленях ангел, словно выглядывающий из картины. Образы прекрасны, естественно связаны с окружающей средой. Это подобие грота среди темных базальтовых скал с просветом в глубине - типичный для Леонардо пейзаж: в целом фантастически загадочный, но в частности - в изображении каждого растения, каждого цветка среди густой травы - созданный с точным знанием природы. естественные формы. Фигуры и лица окутаны воздушной дымкой, которая придает им особую мягкость. Итальянцы назвали эту технику Леонардо сфумато.

В Милане, по всей видимости, мастер создал картину Мадонна с младенцем. Здесь, в отличие от Мадонны с цветком , он стремился к большей обобщенности и идеальности образа. Изображенный не определенный момент, а некое длительное состояние спокойной радости, в которое погружена молодая красивая женщина, кормящая ребенка грудью. Выразительна четкость уравновешенной композиции с двумя симметрично расположенными окнами, между которыми вписан живой и гибкий силуэт женской полуфигуры. Холодный ясный свет освещает ее тонкое, мягко вылепленное лицо полуприведенным взглядом и легкой, еле заметной улыбкой. Картина написана темперой, что придает звучность тонам синего плаща и красного платья Марии. Пушистые темно-золотистые кудрявые волосы Младенца написаны изумительно, его внимательный взгляд, направленный на зрителя, не по-детски серьезен.

Иное, драматическое настроение отличает монументальная картина Леонардо Тайная вечеря , исполненная им в 1495–1497 годах. по заказу Лодовико Моро для трапезной церкви Санта-Мария-делла-Грацие в Милане. Судьба этого знаменитого произведения Леонардо трагична. При жизни мастера краски начали крошиться. В XVII в. в стене трапезной была пробита дверь, разрушившая часть композиции, а в 18 веке. Помещение было превращено в сенохранилище. Фреска серьезно пострадала из-за неумелой реставрации. В 1908 году велись работы по расчистке и укреплению фресок. Во время Второй мировой войны потолок и южная стена трапезной были разрушены бомбой. Реставрация, проведенная в 1945 году, спасла картину от дальнейшего разрушения, остатки картины Леонардо были идентифицированы и исправлены. Однако сейчас можно сделать только самое общее представление о великом творении мастера.

Огромная фреска (4,6 х 8,8 м) занимает всю торцевую стену трапезной. Христос, фигура которого находится в центре, на фоне дверного проема, и апостолы сидят за столом. Изображена драматическая кульминация трапезы, когда Христос произнес роковые слова: Один из вас предаст меня . Они вызывают у апостолов целый ряд различных чувств, отчаяния, страха, недоумения, гнева; некоторые вскакивают со своих мест, яростно жестикулируют. Чтобы не создавать впечатление суеты и суеты, художник объединил персонажей в четыре группы по три фигуры в каждой и расположил их слева и справа от Спасителя. Леонардо отказался от традиционного размещения Иуды по другую сторону стола, но предателя сразу можно узнать среди участников трапезы по отшатывающейся фигуре, судорожному жесту руки, сжимающей сумочку, зловещему затемненному профилю. Образ Христа является не только пространственным, колористическим, но и духовным центром композиции. Учитель одинок в своем мудром спокойствии и послушании судьбе.

Когда в 1499 году Милан был взят французскими войсками, Леонардо покинул город. Началось время его странствий. Некоторое время он работал во Флоренции. Там работы Леонардо словно озарились яркой вспышкой: он написал портрет Моны Лизы, жены богатого флорентийца Франческо ди Джокондо (около 1503 г.). Портрет, известный как Джоконда , стал одним из самых известных произведений мировой живописи.

Небольшой портрет окутанной воздушной дымкой молодой женщины, сидящей на фоне голубовато-зеленого странного скалистого пейзажа, полон такого живого и нежного трепета, что, по словам Вазари, в углублении шеи Моны Лизы можно увидеть биение пульса. Казалось бы, картину легко понять. Между тем, в обширной литературе по Джоконде сталкиваются самые противоположные интерпретации образа, созданного Леонардо.

В истории мирового искусства есть произведения, наделенные странными, таинственными и волшебными силами. Это сложно объяснить, невозможно описать. Среди них одно из первых мест занимает образ юной флорентийки Моны Лизы. Она, судя по всему, была человеком незаурядным, волевым, умным и искренним. Леонардо вложил заряд такой интеллектуальной и духовной силы в ее удивительный, пристальный взгляд на зрителя, в знаменитую, как скользящую загадочную улыбку, в выражение ее лица, отмеченное неустойчивой изменчивостью, поднявшей ее образ до недостижимого уровня. высота.

В последние годы жизни Леонардо да Винчи мало работал художником. Получив приглашение от французского короля Франциска I, он в 1517 году уехал во Францию и стал придворным художником. Вскоре Леонардо умер. На рисунке автопортрета (1510–1515) седобородый патриарх с глубоким печальным взглядом выглядел намного старше своего возраста.

Невозможно представить, чтобы Леонардо да Винчи мог жить и творить в другую эпоху. Тем не менее его личность вышла за рамки своего времени, поднялась над ним. Творчество Леонардо до Винчи неисчерпаемо. О масштабности и уникальности его таланта можно судить по рисункам мастера, которые занимают одно из почетных мест в истории мирового искусства. Не только рукописи, посвященные точным наукам, но и произведения по теории искусства неразрывно связаны с рисунками, эскизами, зарисовками, схемами Леонардо да Винчи. В знаменитом Трактате о живописи (1498 г.) и других его записях большое внимание уделяется изучению человеческого тела, информации об анатомии, пропорциях, взаимосвязи между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Большое внимание уделяется задачам светотени, объемного моделирования, линейной и воздушной перспективы.

Искусство Леонардо да Винчи, его научные и теоретические изыскания, уникальность его личности прошли через всю историю мировой культуры, оказали на нее огромное влияние.

Рафаэль

В истории мирового искусства идея возвышенной красоты и гармонии связана с творчеством Рафаэля (1483-1520). Принято считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения, в котором Леонардо олицетворял разум, а Микеланджело - власть, именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Конечно, в той или иной степени каждый из них обладал всеми этими качествами. Однако нет сомнений в том, что неумолимое стремление к яркому, идеальному началу пронизывает все творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл.

Сначала Рафаэль учился в Урбино со своим отцом, затем с местным художником Тимотео Вите. В 1500 году он переехал в столицу Умбрии, Перуджу, чтобы продолжить образование в мастерской известного художника, главы умбрийской школы Пьетро Перуджино. Молодой мастер быстро превзошел своего учителя Рафаэля, его назвали Мастером Мадонн. Настроение духовной чистоты, все еще несколько наивное в одной из его первых небольших картин, Мадонна Конестабиль (1502–1503), приобрело возвышенный характер в лучшем произведении раннего периода Рафаэля - Обручение Марии (1504). Сцена обручения Марии и Иосифа на фоне прекрасной архитектуры - образ необычайной красоты. Эта небольшая картина уже целиком принадлежит искусству Высокого Возрождения. Главные герои, группы девушек и юношей покоряют своей природной грацией, мелодичны, знаки и их движения, позы и жесты пластичны, например, приближающиеся руки Марии и Иосифа, надевающие кольцо ей на палец. В картине нет ничего лишнего, второстепенного. Золотистые, красные и темно-зеленые тона, созвучные нежной синеве неба, создают праздничное настроение.

В 1504 году Рафаэль переехал во Флоренцию. Здесь его творчество приобрело зрелость и спокойное величие. В цикле Мадонн он разнообразил образ молодой матери с младенцем Христом и маленького Иоанна Крестителя на фоне пейзажа. Особенно хороша Мадонна в зеленом (1505 г). В картине использована пирамидальная композиция Леонардо, а цвету присуща тонкая гармония красок.

Успехи Рафаэля были настолько значительными, что в 1508 году он был приглашен к папскому двору в Риме. Художник получил заказ на роспись парадных покоев Папы, так называемых строф (комнат) во дворце Ватикана.

В этих комнатах Рафаэль и его ученики украшали потолки позолоченными стуками и росписями, пол был выложен узорчатым мрамором, а каждая стена была покрыта многофигурными фресками вплоть до декоративного панно. Роспись строф Ватикана (1509-1517 ) прославила Рафаэля, выдвинула его в число ведущих мастеров не только Рима, но и Италии.

Как и прежде, Рафаэль снова обратился к любимому образу Мадонны с младенцем. Мастер готовился к созданию своего великого шедевра Сикстинская Мадонна (1515-1519) для церкви Святого Сикста в Пьяченце. В истории искусства Сикстинская Мадонна - образ совершенной красоты. На этом большом алтаре изображена не только Божественная Мать с Божественным Младенцем, но и чудо появления Царицы Небесной, приносящей к людям своего Сына в качестве искупительной жертвы. В обрамлении зеленой занавески Мэри стоит с Младенцем на руках на ярких облаках. Взгляд Ее темных глаз без блеска устремлен мимо и как бы сквозь зрителя. Этот взгляд доступен тому, что скрыто от других. В образе Христа, большого красивого ребенка, можно угадать нечто не по-детски напряженное и призрачное. Художник достиг здесь редкого динамического баланса: кажущаяся ясная простота, черты абстрактной идеальности, божественность чуда и реальная тяжесть форм переплетаются, дополняют и обогащают друг друга. Слева от Мадонны Папа Сикст IV созерцает чудо с молитвенной нежностью. Святая Варвара, благоговейно опустившая взор, которая, как и Мария, принадлежит небесам, легко парит в облаках. Два ангела, опираясь на парапет, смотрят вверх и возвращают внимание зрителя к центральному изображению. Впервые в творчестве Рафаэля религиозный образ устанавливает полный контакт со зрителем. Это определяет высокую и волнующую человечность картины.

В последние годы жизни Рафаэль создал фрески римской виллы Фарнезин. В его главном зале находится фреска Триумф Галатеи (1519 г.). Морская нимфа Галатея плывет в море на ракушке, привлеченной дельфинами. Окружающие ее фантастические существа и летающие маленькие купидоны образуют композицию, наполненную ликующей радостью. В нем сочетаются золотистые тона обнаженных тел, голубизна моря и неба.

Под руководством Рафаэля в 1519 году была завершена роспись так называемых лоджий - большой арочной галереи, построенной Браманте на втором этаже Ватиканского дворца. Многочисленные декоративные фрески были выполнены учениками Рафаэля по его рисункам. Позже картины были повреждены грубыми реставрациями. О творческом воображении Рафаэля и его даре декоратора можно отчасти судить по копии фресок Лоджий, украшавших стены галереи Дворца Эрмитаж (построенной в Санкт-Петербурге в 1880-х годах архитектором Якомо Кваренги).

Рафаэль был прекрасным мастером рисования. Здесь ярко проявилось его безупречное, легкое, свободное чувство линии. Он внес значительный вклад в архитектуру. Само имя Рафаэля - Божественный Санцио - впоследствии стало олицетворением идеального художника, наделенного божественным даром.

С большими почестями он был похоронен в Римском Пантеоне, где его останки покоятся по сей день.

Микеланджело

Микеланджело Буонарроти - величайший мастер Высокого Возрождения, создавший выдающиеся произведения скульптуры, живописи и архитектуры.

Детство Микеланджело прошло в небольшом тосканском городке Ка-Пресе недалеко от Флоренции. Юность и годы учебы он провел во Флоренции. В художественной школе при дворе герцога Лоренцо Медичи он открыл для себя красоту античного искусства, общался с великими представителями гуманистической культуры. Практически все скульптурные работы Микеланджело принадлежат Флоренции. Он похоронен во флорентийской церкви Санта-Кроче. Впрочем, Рим в равной степени можно назвать городом Микеланджело.

В 1496 году он приехал в Рим, где вскоре к нему пришла слава. Самая известная работа первого римского периода - Пьета (Оплакивание Христа) (1498–1501) в часовне базилики Святого Петра. На коленях Марии, слишком юной для такого взрослого сына, стоит безжизненное тело Христа. Горе матери легкое и возвышенное, только в жесте левой руки душевное страдание как бы изливается наружу. Белый мрамор отполирован до блеска. В игре света и тени его поверхность кажется драгоценной.

Вернувшись во Флоренцию в 1501 году, Микеланджело взялся казнить колоссальную мраморную статую Давида (1501–1504). Статуя достигает пяти с половиной метров в высоту. Она олицетворяет безграничную мощь мужчины. Давид как раз готовится ударить врага камнем, брошенным с пращи, но уже чувствуется, что это будущий победитель, полный сознания своей физической и духовной силы. Лицо героя выражает несгибаемую волю.

Изготовленная по заказу Флорентийской республики статуя была установлена у входа в Палаццо Веккьо. Открытие памятника в 1504 году превратилось в всенародный праздник. Давид украшает площадь более трех с половиной веков. В 1873 году памятник был установлен в Галерее Академии художеств во Флоренции. На старом месте, где сам Микеланджело поставил статую, теперь есть мраморная копия.

Микеланджело считал себя всего лишь скульптором, что, однако, не мешало ему, истинному сыну Возрождения, быть великим художником и архитектором. Самым масштабным произведением монументальной живописи Высокого Возрождения является роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане, выполненная Микеланджело в 1508-1512 годах.

Гробница Папы Юлия II могла бы стать вершиной скульптуры, если бы Микеланджело смог воплотить в жизнь свой оригинальный дизайн. Проект Микеланджело был смелым и грандиозным: 40 мраморных статуй должны были украсить мавзолей. Слепить их мастер взял на себя. Но гробница в том виде, в каком ее задумывал Микеланджело, так и не была создана. После смерти Юлия II его наследники неоднократно заключали с Микеланджело контракты о возобновлении работы. От статуй, предназначенных для гробницы, до нас дожил Связанный раб , сильный, коренастый юноша, тщетно стремящийся освободиться от оков, и Умирающий раб - прекрасный юноша, ожидающий смерти как избавление от мучений (ок. 1513 г.).

Для второго этажа гробницы Юлия II предназначалась статуя еврейского пророка Моисея (1515-1516). Его борода ниспадает тугими извивающимися прядями, мускулы его мощного тела напрягаются, взгляд его широко раскрытых глаз угрожает. Моисей в интерпретации Микеланджело - национальный лидер, человек вулканических страстей, проницательный мудрец.

Многие работы Микеланджело остались либо незавершенными, либо незавершенными. Обладая необычайно независимым, резким и прямым характером, он, тем не менее, был вынужден обслуживать всемогущих клиентов. На папском престоле сменились государи, и каждый руководствовался своими вкусами, династическими и личными интересами. В 1520 году Микеланджело получил заказ от папы Климента VII из семьи Медичи. Во флорентийской церкви Сан-Лоренцо, в которой были похоронены члены семьи Медичи, мастеру пришлось построить и украсить скульптурой новую часовню - их семейную гробницу. Однако трагические события в Италии прервали работы над часовней. В 1527 году испанские войска Карла V заняли и разгромили Рим. Во Флоренции вспыхнуло народное восстание, и Медичи были свергнуты. Кроме того, в городе началась эпидемия чумы. Папа Климент VII в союзе с Карлом V организовал кампанию против Флоренции, которой оказали героическое сопротивление. Во время осады Микеланджело руководил строительством укреплений. После падения республики его спасло от расправы только тщеславие Климента VII, мечтавшего увековечить свою семью руками величайшего господина. В разгар жестокого террора Медичи, вернувшегося к власти, глубокого унижения Италии, смерти друзей и соратников в 1531 году, Микеланджело возобновил прерванную работу по созданию часовни, которая является одной из его самых замечательных работ.

Во Флоренции Микеланджело не чувствовал себя в безопасности. В 1534 году он покинул родной город и переехал в Рим, где по приказу Папы Павла III написал на торцевой стене Сикстинской капеллы знаменитую фреску Страшный суд (1536-1541). На фоне холода. голубо-пепельное небо, многие фигуры охвачены вихревым движением. Преобладает трагедия мировой катастрофы. Приближается час возмездия, ангелы объявляют о приближении Страшного суда. Движение гигантских толп разворачивается по кругу, грешники справа брошены в ад неумолимым потоком. Их тащат бесы, преследуют бескрылые ангелы, праведники восходят на небеса слева. В центре стоит могучая обнаженная фигура Христа, вершащего суд. Ужасный, непреклонный, красивый в злобной безжалостности, он больше похож на языческого бога грома. Падшая Богородица исполнена глубокой скорби перед лицом безмерных человеческих страданий. Святой Варфоломей - символ пугающего отчаяния. В руках святого - сорванная с него кожа, на которой Микеланджело изобразил свое лицо в виде искаженной страданием маски.

Фреска была завершена Микеланджело в 1541 году. Для Италии это было время усиления давления со стороны католической церкви на гуманистическую культуру. Высокие светлые идеалы, которым мастер поклонялся всю свою жизнь, ушли в прошлое. Создание шестидесятишестилетнего Микеланджело вызвало резкое недовольство церковных руководителей. Папа Павел IV Караффа счел эту работу непристойной, так как в ней было много обнаженных фигур Микеланджело, было предложено задрапировать некоторые из фигур, на что художник ответил: Скажи папе, что это мелочь и ее легко решить. Пусть он наведет в мире порядок, и очень быстро можно будет придать картинам порядочность. Даниэле де Вальтерра, преданный ученик Микеланджело, внес необходимые изменения в фреску, однако, пытаясь защитить ее от серьезного искажения. В последние десятилетия жизни мастер занимался только архитектурой и поэзией. Творчество великого Микеланджело составило целую эпоху и намного опередило свое время, сыграло огромную роль в мировом искусстве, а также повлияло на формирование принципов барокко.

Позднее Возрождение

Во второй половине XVI в. в Италии нарастал упадок экономики и торговли, католицизм вступил в борьбу с гуманистической культурой, искусство переживало глубокий кризис. Он усилил антивенессансные антиклассические тенденции, воплощенные в маньеризме (см. Статью Искусство маньеризма).

Маньеризм почти не коснулся Венеции, которая во второй половине XVI века стала центром искусства позднего Возрождения. Хотя коммерческое и политическое значение Венецианской республики неуклонно снижалось, как и ее власть, город Лагуна все еще был свободен от власти Папы и иностранного правления, и накопленные им богатства были огромными. В этот период образ жизни Венеции и характер ее культуры отличались таким размахом и великолепием, что казалось, ничто не указывает на упадок ослабевавшего венецианского государства. В русле высокой гуманистической традиции Возрождения в новых исторических условиях Венеции развивалось творчество великих мастеров позднего Возрождения, Палладио, Веронезе, Тинторетто, обогащенное новыми формами.

Андреа Паллайо

Андреа Палладио (1508-1580) - крупнейший архитектор эпохи Возрождения в Северной Италии в период позднего Возрождения. Он родился в Падуе и испытал большое влияние гуманистов Северной Италии. Поэт Джангиорджио Триссино из Виченцы, учитель Андреа ди Пьетро делла Гондола, дал ему имя Палладио (от греческой богини Афины Паллады), потому что он считал этого молодого человека способным возродить красоту и мудрость древних греков. Для изучения древних памятников Палладио неоднократно посещал Рим, а также Верону, Сплит в Хорватии, Ним во Франции. Палладио заложил принципы архитектуры, которые получили развитие в архитектуре европейского классицизма 17-18 веков. и получил название Палла Дианизм. Палладио изложил свои идеи в теоретическом труде Четыре книги по архитектуре (1570). Композиции Палладио полны естественности, умиротворения, законченности, строгой упорядоченности, планировка построек, связанная с окружающей средой, ясна и целесообразна. Здания Палладио украшали Виченцу, Венецию и окрестности.

Виченца считается городом Палладио. Его первое большое здание здесь - Базилика (1549 г.), которая была основана на ратуше 13 века. Архитектор заключил старое здание в двухъярусную аркаду из белого мрамора. Архитектор часто строил в Виченце дворцы и загородные виллы. Важную роль в них он отводил фасаду. Например, вытянутый вдоль площади фасад Палаццо Кьерикати (1560 г.) после базилики самого монументального сооружения Виченцы буквально пронизан воздухом. Нижний этаж занимает массивная мощная колоннада - галерея; на последнем этаже по углам расположены глубокие лоджии.

Виллы вокруг Виченцы, построенные Палладио, разнообразны. Но их объединяют общие принципы, отвечающие требованиям удобства, чувства меры, симметрии и свободы композиции, гармонично связанных с окружающей природой. Самая известная вилла Ротонда (1551-15b7) недалеко от Виченцы - первое центрально-купольное здание светского назначения. Композиционно-пластическое решение Ротонды, блестяще найденное Палладио, послужило в будущем прототипом для многих храмов и мавзолеев. Белая вилла стоит на холме в долине в прекрасной живописной местности. Представлен в плане. Последняя работа Палладио в Виченце началась в год его смерти. Театро Олимпико (1580 г.) - первое монументальное театральное здание в Италии. Строительство было завершено архитектором Скамоцци Палладио, который использовал здесь тип римского театра, хотя он не придал зрительному залу круглую, а эллиптическую форму. Этот овал с колоннадой и фасад сцены украшены многочисленными статуями. На сцене постоянные декорации, изображающие пять расходящихся улиц, застроенных дворцами и домами. торжественно и грустно в тихом пустом пространстве театра, когда-то поражавшего воображение своими волшебными зрелищами.

Здания и архитектурные идеи Палладио оказали сильное влияние на последующее развитие европейской архитектуры, особенно в Англии, Франции и России, квадрат с вписанным в него круглым залом, перекрытым куполом. По бокам кубического здания расположены фронтоны-портики с выдвинутыми вперед лестницами. На склонах холма скрыты хозяйственные помещения.

В Венеции Палладио построил церкви Сан-Джорджо Маджоре (начат в 15b5 г.) и Il Redentore (1577-1592 гг.), Имеющие в плане форму латинского креста. Церковь Сан-Джорджо Маджоре, расположенная на острове того же имя, включила водную толщу в центральный ансамбль Венеции. пространство лагуны, завершающей наиболее важные аспекты города своим силуэтом

Паоло Веронезе

Праздничный, жизнеутверждающий характер венецианского Возрождения наиболее ярко проявился в творчестве Паоло Веронезе Паоло Кальяри (1528-1588), уроженец Вероны, по прозвищу Веронезе, провел детство и годы учебы в своем родном городе Ин. В 1558 году мастер получил приглашение принять участие в оформлении Дворца дожей в Венеции, где быстро прославился. Красота Венеции, ее роскошная жизнь и художественные сокровища произвели на молодого живописца неизгладимое впечатление. великолепные декоративные ансамбли настенных и потолочных росписей с множеством характеров и занимательных деталей. Блестящий мастер цвета, Веронезе писал в светлой гамме богатые звонкие цвета и тончайшие оттенки, объединенные общим серебряным тоном.

Одна из лучших работ молодого Веронезе - роспись потолка церкви Сан-Себастьяно в Венеции (1556–1557), посвященная истории библейской героини Эстер. Мастер использовал эффект пробития потолка, как в результате чего голубое небо раскрылось перед зрителями. В композиции Триумф Мардохея фигуры изображены в головокружительных ракурсах, поднимающих на дыбы коней, всадников и воинов, развевающиеся мантии и знамя, фрагмент архитектурного сооружения поднят в высоту с многолюдной толпой за балюстрадой - все создает впечатление поистине торжествующего торжества. Сочетание холодных серебристых и голубых тонов, горячих вспышек оранжевого, контрастов черного и розового бесконечно радуют глаз. успех в венеции

В годы своего творческого расцвета Веронезе украсил росписью виллу Барбаро-Вольпе в Мазере (1560-1561), построенную Андреа Палладио. Эти фрески стали одним из величайших достижений монументально-декоративной живописи.

Центральное место в станковой живописи Паоло Веронезе занимают его знаменитые монументальные полотна на евангельские сюжеты, которые художник, черпавший вдохновение из общественной жизни Венеции, наполнил впечатлениями от многолюдных и ярких венецианских фестивалей. Эти работы известны под общим названием Веронезские праздники . К ним, в частности, относятся картины Свадьба в Кане (15b3 г) и Пир в доме Леви (1573 г.) на огромном полотне Свадьба в Кана , на котором изображено около ста тридцати фигур, сцена застолья разворачивается у подножия роскошной дворцовой террасы с белой аркадой и балюстрадой на фоне сияющей синевы неба. движения художник поместил европейских князей, а в облике музыкантов на переднем плане изобразил Тициана, Тинторетто и себя самого.

Еще более грандиозным и декоративным является Праздник в доме Леви , который проходит на великолепной монументальной трехпролетной лоджии. Языческая жизнерадостность картины привлекла внимание Святой инквизиции. Сохранился допрос художника, на котором его обвинили в изображении шутов, пьяных немцев, гномов и прочей чепухи.

Тинторетто

Полная противоположность Веронезе - его современник Тинторетто (1518 - 1594), настоящее имя которого Якопо Робусти, родился в Венеции и был сыном красильщика, отсюда и прозвище мастера - Тинторетто, или Маленький Дайер.

Обилие внешних художественных влияний растворилось в неповторимой творческой индивидуальности этого последнего из великих мастеров итальянского Возрождения. В своем творчестве он был гигантской фигурой, творец вулканического темперамента, неистовых страстей и героической напряженности. и Тициан, Тинторетто проложили новые пути в искусстве. Успех как среди современников, так и среди последующих поколений, Тинторетто отличался поистине нечеловеческой работоспособностью, неутомимостью поисков. Он чувствовал трагедию своего времени острее и глубже, чем большинство современников. Мастер восстал против устоявшихся традиций в изобразительном искусстве - соблюдая симметрию, строгий баланс, статичность, расширил границы пространства, насыщал его динамикой, драматизмом, стал более ярко выражать человеческие чувства. Он - создатель массовых сцен, проникнутых единством переживаний.

В 1539 году художник открыл свою мастерскую в Венеции. О ранних работах Тинторетто известно мало. Известность принесла картина Чудо святого Марка (1548). Выразительность форм и богатая цветовая гамма крупных красных и синих пятен создают впечатление чуда, происходящего на глазах растерявшейся толпы. Святой Марк, летящий сломя голову в развевающейся алой одежде, останавливает казнь несправедливо осужденного. Реставрация последних десятилетий во всем великолепии раскрыла богатую красочную палитру мастера.

Необычная картина Введение в храм в церкви Санта-Мария-дель-Орто (1555 г.). Тинторетто изобразил полукруглую асимметричную лестницу, круто уходящую вверх. Мария уже достигла своего пика, и второстепенные персонажи на переднем плане, в том числе женщина с девушкой, жестами и взглядами устремляют на нее внимание зрителя. Художник выразительно и смело построил композицию по диагонали - наиболее динамичный прием в живописи. В картине Тинторетто выразил идею духовного развития человека.

В Венеции из-за климатических условий для украшения зданий использовали не фрески, а огромные картины, написанные в технике масляной живописи. Тинторетто - мастер монументальных полотен, автор гигантского ансамбля из нескольких десятков произведений. Они были сделаны для верхнего и нижнего залов Scuola di San Rocco (школа Св. Роха; 1565-1588).

Художественное оформление Scuola di San Rocco мастер начал с создания грандиозной монументальной композиции Распятие . Изображение с множеством персонажей - зрителей (мужчин и женщин), воинов, палачей в полукольце покрывает центральную сцену распятия. У подножия креста родственники и ученики Спасителя составляют группу редкой духовной силы. В сиянии цветов сумеречного неба Христос словно обнимает беспокойный, взволнованный мир, пригвожденные руками к перекладине, благословляя и прощая его. А в более поздние годы жизни Тинторетто привлекали массовые сцены. Царская битва (ок. 1585 г.), созданная им для Дворца дожей, занимает целую стену. По сути, это первая поистине историческая картина европейской живописи. Чтобы передать в картине напряжение битвы, мастер использовал беспокойный ритм линий, цветных мазков, вспышек света. Все находится в движении, картина как бы отражает жестокое столкновение стихий.

Заключение

Возрождение остается поистине самым красивым периодом в истории. Сколько великолепных работ было создано в то время, которыми не устаешь восхищаться сегодня. Выполняя эту работу, я открыл для себя удивительный мир эпохи Возрождения.

В своей работе я пытался показать общее значение итальянского Возрождения для мирового искусства, которое сегодня не теряет своей актуальности; морально-этические идеи, провозглашенные итальянскими гуманистами в эпоху Возрождения, не изменили своего содержания и сейчас. Я попытался проанализировать образ человека в изобразительном искусстве Италии, выдвинул позицию, что идеи гуманизма воплощены итальянскими художниками на их полотнах и вознесены на небывалую высоту, передавая в этих образах все высокие чувства, все благородство души.

Таким образом, итальянский Ренессанс, как и вообще весь Ренессанс, означал огромный сдвиг в мировом искусстве, который не могла совершить ни одна из последующих эпох. Человек, ставший центром этого искусства, научился по-новому понимать окружающий мир.

Список литературы

История итальянского искусства Пер. с этим. В 2в. Под науч. изд. В.Д. Дайсина - М: Радуга, 1990.
Берестовская Д.С. Художественная культура эпохи Возрождения. - Симф., 2008.
Брагина Л. М. Итальянский гуманизм - М : Высш. Школа, 1977.
Буркхард Дж. Культура Италии эпохи Возрождения. 1999.
Быстрова А.Н. Мир культуры: (основы культурологии) - М : Новосибирск: ЮКЕА, 2009.
Вазари Дис. Биографии самых известных художников, скульпторов и архитекторов. Пер. и комментарии. А.И. Венедиктова, т. И - М : Искусство, 1931.
Гиберти Л. Комментарии: Заметки об итальянском искусстве. - М : Изогиз, 1933.
Гуковский М.А. Итальянский ренессанс. - Л : ЛГУ, 1992.
Гуковский М.А. Леонардо да Винчи. Творческая биография. - М : Искусство, 1955.
Велфмин Г. Искусство Италии и Германии эпохи Возрождения. 2004.
Верман История искусства всех времен и народов. Том 2 - искусство народов Европы до конца 15 века. 2001.
Всеобщая история искусства. Искусство эпохи Возрождения. - М : Искусство, 1969.