Реферат на тему: Проблемы жизни и смерти в культуре Возрождения и её отражение в философии и искусстве

Содержание:

Введение

Человечество пережило много эпох. Страшно, удивительно и даже загадочно. Но из целой серии столетий только одно было названо Золотым веком, временем титанов в силе мысли, страсти и духа, в разносторонности и образованности. Влияние Возрождения на умы было поистине революционным и всеобъемлющим. В той или иной степени он затронул все страны Западной, Центральной и даже частично Восточной Европы. Его влияние на умы было поистине революционным. Он внес такие сокрушительные изменения, что средневековье с его представлением о слабости и ничтожестве человека, его ничтожестве и чувствах полностью утратило свои позиции в философии и культуре.      

Это была величайшая прогрессивная революция из всех, пережитых до того времени, - писал Фридрих Энгельс. И до сих пор историки, оценивая его влияние, отдают дань уважения стране, откуда зародился Ренессанс, откуда его идеи распространились по всему миру, а именно Италии. Именно там был зажжен факел, который затем осветил новый путь для всего человечества.  

Ренессанс - это эпоха культурного и идеологического развития ряда стран Западной и Центральной Европы. Основные отличительные черты культуры Возрождения: светский характер, гуманистическое мировоззрение, обращение к античному культурному наследию, своеобразное возрождение его влияния на культуру (отсюда и название всего периода). В то же время культура эпохи Возрождения - это переход от средневековья к современности. Вот почему в нем так тесно переплетается старое и новое. Границы этого периода разные в разных странах. Так, в Италии эпохой Возрождения называют 14-16 век, а в других странах Европы - 15-16 век. Принято различать итальянский предренессанс (рубеж 13-14 веков), ранний ренессанс (15 век), высокий (конец 15 - первая четверть 16 века) и поздний ренессанс (16 век).       

Особенности культуры Возрождения наиболее ярко проявились в архитектуре и изобразительном искусстве Италии. На смену аскетическим идеалам и догматическим условностям средневековья пришло стремление к реалистическому пониманию человека и мира, вера в творческий потенциал и силу разума. 

При всей бесконечности увлечений, вкусов и научных приоритетов Ренессанс (13-14 вв.) - в целом для европейцев - один из самых увлекательных периодов в истории мирового искусства, античность Нового века, недостижимая планка художественного совершенства, идеал гармонии и красоты.

Люди возрождают эпоху - этот принцип наиболее подходит эпохе Возрождения, создавшей концепцию равноправного универсального человека и выдвигавшей в искусстве личностей, ставших олицетворением целых эпох национальной культуры. 

Эта эпоха открыла миру выдающихся мастеров: Микеланджело, Рафаэля, Леонардо да Винчи и многих других. Сегодня мы познакомимся с творчеством самых интересных и известных художников и попробуем ответить на вопрос Можно ли считать этих творцов титанами Возрождения? 

Титаны эпохи Возрождения

Высокое Возрождение - этот период времени представляет собой апогей Возрождения. Это был короткий период, длился около 30 лет, но количественно и качественно этот период времени похож на столетия. Искусство Высокого Возрождения - это обобщение достижений 15 века, но в то же время новый качественный скачок как в теории искусства, так и в ее воплощении. Необычайное уплотнение этого периода можно объяснить тем, что количество одновременно (в один исторический период) работающих гениальных художников является своеобразным рекордом даже за всю историю искусства. Достаточно упомянуть такие имена, как Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело. Рассмотрим их искусство более подробно.     

Леонардо да Винчи    

Леонардо да Винчи родился в 1452 году в деревне Анчиано, недалеко от города Винчи, у подножия албанских гор, на полпути между Флоренцией и Пизой. Гениальный итальянский художник, архитектор, инженер, оптик назван так в честь своего места рождения в горной деревне Винчи недалеко от Флоренции. Он является одним из самых известных титанов Возрождения. История знает немного примеров такого полного и богатого развития личности.  

Исключительный талант будущего великого мастера проявился очень рано. По словам Вазари, он уже в детстве был настолько успешен в арифметике, что своими вопросами ставил учителей в затруднительное положение. При этом Леонардо занимался музыкой, прекрасно играл на лире и божественно пел импровизации. Однако больше всего его воображение волновало рисование и лепка. Его отец отнес свои рисунки давнему другу Андреа Верроккьо. Он был поражен и сказал, что юный Леонардо должен полностью посвятить себя живописи. В 1466 году Леонардо поступил учеником во флорентийскую мастерскую Верроккьо.      

Первоначальные навыки рисования Леонардо приобрел в мастерской флорентийского скульптора и живописца Андреа де Верроккьо (1435 - 1488), на картине которой, изображающей крещение Христа, ученик нарисовал одного из ангелов и, возможно, пейзаж на заднем плане.

В 1481 году монастырь Сан-Донато в Сопето заказал картину на тему поклонения волхвов, которая осталась незаконченной. Отказавшись от бытовых деталей, молодой мастер сосредоточился на изображении круга людей, причастных к событию, которое повернет развитие человечества. Вдалеке видны руины, на фоне которых люди дерутся, что является намеком на рушащийся мир язычества и предстоящую борьбу последователей Христа за души верующих. Сгруппированные вокруг Девы Марии и младенца Христа, пришельцы охвачены экстатическим возбуждением, каждый из них по-своему переживает, казалось бы, обычное событие - рождение ребенка - как универсальное историческое.   

По приглашению миланского правителя Лодовико Моро Леонардо покидает Флоренцию, не завершив работу над Поклонением волхвов. Незавершенная картина находится в галерее Уффици во Флоренции. 

В Милане Леонардо основал Академию живописи, окружив себя талантливыми учениками, которые часто копировали шедевры мастера, благодаря чему некоторые утраченные работы дошли до нас в копиях. Он также руководил строительством Миланского собора. 

Строительство колоссальной конной статуи герцога Франческо Сфорца восходит к миланскому периоду. Современники признали его чудом скульптуры, но в 1499 году, еще до завершения строительства памятника, он был разрушен французскими войсками во время вторжения иностранцев в Милан. 

В Виндзорской королевской библиотеке сохранились только рисунки и эскизы.

Уже в ранних произведениях Леонардо обнаруживаются черты, которых не было в искусстве кватроченто. Вот небольшая картина - Мадонна Бенуа, но сколько она несет в себе! До Леонардо много раз изображалась Мария с младенцем Иисусом на руках, и тема прошла долгий путь очеловечивания: Мария среди художников 15 века. больше не восседает на престоле, корона исчезает с ее головы, ореолы только догадываются - Богоматерь и Богочеловек потеряли большую часть своей божественности, превратились в человеческую мать с ребенком. Однако репрезентативность почти всегда сохранялась: Мария показывает людям Сына Божьего, а сама позирует перед ними. Таковы Мадонны и крупнейшие художники кватроченто, такие как Андреа Мантенья, Пьетро Перуджино, Джованни Беллини.     

Совсем не то же самое с Леонардо. Ни мать, ни ребенок не обращены к зрителю, не смотрят на него. Они заняты своим делом: перед нами живая сцена игры молодой мамы, простой девушки, почти девочки, с первенцем. Игра полностью захватила обоих. Мать весело улыбается, даже смеется, любуясь своим малышом; первая радость этой игры раскрывает ее простодушную душу, ее внутреннюю свободу, ее юную материнскую любовь. Сакральный смысл практически полностью исключен.      

Никогда прежде художник так не зацикливался на самой сложной для изображения стороне природы - на внутренней жизни человека, на его духовных движениях. И это одно из важнейших нововведений, которое Высокое Возрождение внесло в искусство Возрождения. Задача художника, - писал Леонардо, - изобразить то, что граничит с почти недостижимым: показать внутренний, духовный мир человека. Это важнейшее программное требование качественно нового состояния гуманистического искусства, одна из определяющих черт Высокого Возрождения.   

Важные последствия естественным образом вытекали из фундаментального отношения, которое существенно изменило характер реализма на высшей стадии искусства Возрождения. Если главное - это человек и, особенно, его внутренний мир, то все постороннее, второстепенное, ненужное нужно убрать с картины. В Мадонне Бенуа перед зрителем разворачивается целая психологически напряженная сцена. Группа помещена в интерьере, но на самом деле интерьера нет: ни одной детали жилища и его обстановки, кроме скамейки, на которой сидит Мария, да и то еле очерчивается. Есть только окно с полукруглым сводом (повторяющее линию полукруга, замыкающего всю композицию вверху, и верхние контуры голов матери и ребенка). Но не во имя правдоподобия. Это источник воздуха в картине, иначе картина задохнется. И - изящно очерченное пятно света, зелено-голубоватое, пронизанное солнцем, как золотая пыль. Он легко и мягко сопровождает цветовую гамму самой группы - малыша, молодой мамы и ее одежды, то есть не отвлекает от главного, а, наоборот, служит еще большему единству целого.        

Таким образом, в зарождающемся искусстве Высокого Возрождения обретение принципиально новых черт повлекло за собой отказ от некоторых черт старого - теперь не было места мелкому натурализму, характерному для Раннего Возрождения. Только отказавшись от восхищения внешними деталями, можно было научиться понимать и восхищаться внутренней жизнью человека. Только отказавшись от поверхностного номинализма вещей, можно было раскрыть в искусстве высшую реальность - богатство духовного мира человека.  

В богатейшем наследии рисовальщика Леонардо бросается в глаза целая галерея странных лиц с некрасивыми, часто отталкивающими чертами. В литературе их называют карикатурами. Действительно, некоторые из этих рисунков, особенно групповые, носят ярко выраженный сатирический характер: жестокость, тупость, высокомерие, хитрость, не замечая омерзительности их внешнего вида. Это бдительные и беспощадные социальные и психологические характеристики того времени, лица социального зла. Среди них немало изображений высокомерных и омерзительных физиономий респектабельных людей, сливок общества.    

Судьба еще одного шедевра Леонардо - фрески Тайная вечеря в трапезной доминиканского монастыря Санта-Мария-делла-Грейс - сложилась драматично. Монументальное творение гения, написанное маслом на стене, плохо сохранилось, а неудачная реставрация только усугубила потери. В этом произведении необычайно ярко проявляется авторский психологизм: на слова Христа о том, что за столом предатель, все двенадцать учеников реагируют с поразительным разнообразием. Картина Мадонна в гроте относится к миланскому периоду. В этом традиционном евангельском повествовании восхищаются талантом Леонардо создавать перспективу: сюжет как бы превращен в космическую даль, в будущее.    

Тайная вечеря отражает новый этап зрелости гуманистического сознания Высокого Возрождения. Поражает разнообразие типов, характеров, мысленных движений людей, наиболее выразительно переданных художником. Здесь тоже много покверканой жизни. Но это не главное на картинке. Его смысловой центр - нечто большее - ужасный акт предательства, торжество отвратительного подлости. Открытие трагедии в жизни, смелость открыто говорить о ней - покорение Высокого Возрождения, один из важнейших моментов, присущих качественно новому этапу в развитии гуманизма Возрождения и гуманистического искусства. Это одна из основных точек раздела между Ранним и Высоким Возрождением.      

В Тайной вечере есть красивые, импозантные фигуры, но есть и лысые, и беззубые, и помятые. И самое главное, нет убежденности в своей правоте, нет единства. Точнее, единство только кажущееся, оно распадается на глазах. Рядом с некоторыми смельчаками, готовыми к действию - уставшими, трусливыми, равнодушными, озабоченными только собой. Фреска Леонардо - это обличение зла, бродящего по миру - перед лицом предательства, но не меньше - перед лицом того, чем питается все зло, - человеческого безразличия.    

Поэтому Тайная вечеря - одна из главных вех, ознаменовавших начало нового этапа в культуре Возрождения - Высокого Возрождения. Жизнь показала, что человек намного сложнее односторонней оптимистической схемы, на которой базировались как этика, так и эстетика Раннего Возрождения. Леонардо первым осмелился выйти за рамки этой схемы и в своем искусстве показал обратную сторону медали, раскрыл всю противоречивую сложность человека, не закрывая глаз на самые отвратительные его стороны.  

Критичность взгляда - вот что прежде всего отличает Высокое Возрождение от Раннего. Но Высокое Возрождение не повернулось к мизантропии; он не потерял веры в человека, который с самого начала питал гуманистическое искусство. Напротив, только Высокое Возрождение с исчерпывающей глубиной и мощью сумело воплотить в искусстве гуманистический идеал человека. Только в творчестве светил Высокого Возрождения идеальный человек предстал сложным, неоднозначным, но настолько мудрым, могущественным и красивым, что Раннее Возрождение могло только мечтать. Такие глубокие, философски сложные образы, как Джоконда, были неподвластны искусству кватроченто.     

В 1503 году Леонардо да Винчи вернулся во Флоренцию. По заказу совета Леонардо написал для конкурса, соревнуясь со своим современником Микеланджело, для зала совета большую картину, изображающую битву флорентийцев с миланцами при Ангиари в 1440 году. Следует отметить, что политические конфликты сами по себе имели характер малоинтересный художник-баталист. Этот рисунок также сохранился в эскизах, до нас дошел только центральный фрагмент, изображающий битву всадников за обладание штандартом.  

Во Флоренции была создана картина, которая по праву считается самым известным произведением живописи во всем мире. Это Мона Лиза (Джоконда) - портрет известной тогдашней красавицы - жены богатого флорентийца Франческо дель Джоконды, породивший множество легенд. Очень загадочная улыбка молодой красивой дамы инициировала всевозможные версии, связанные с портретом. Легенды мало похожи на правду, в этом шедевре Леонардо примечательно тончайшее мастерство передачи внутреннего мира Моны Лизы, поражающей своим спокойствием, гармонией с миром природы и людьми, всматривавшимися в ее портрет на протяжении всей жизни. веков.   

В 1509 году король Франции Людовик XII пожаловал Леонардо титул придворного живописца. Леонардо по заказу короля пишет парные картины Святая Анна и Святой Иоанн, которые попадают в Лувр. В 1515 году Леонардо отправился из Флоренции в Париж в свите французского короля Франциска I. Во Франции Леонардо да Винчи встретили с почестями, но он мало работал в чужой стране. Он умер в замке Сен-Клу недалеко от Амбуаза.    

Что бы ни говорили о Джоконде, нет никаких сомнений в том, что у нас исключительная женщина, красивая женщина. Нет, не по привлекательности или броской красоте (Леонардо предпочитал избегать изображения таких лиц, а если приходилось, то передавал большую часть работ своим ученикам). И молодой ее не назовешь. Но как он хорош, как значим внутренне! Сколько достоинства в горделивом положении головы, какое высокое самосознание исходит от этого лица, сколько очаровательного очарования в высоком ярком лбу, в глубоких глазах, полных разума и понимания, сколько внутренней свободы в взгляде ! Изумительная целостность образа, замкнутого кольцом красивых рук, создает ощущение высочайшего совершенства. Во всем предшествующем искусстве Возрождения нельзя найти столь же проникновенного воплощения гуманистического идеала человека - прекрасного, возвышенного, духовно богатого.      

Магнетическая привлекательность Джоконды свидетельствует о ее глубине и, очевидно, верности жизни. Значит, секрет этого портрета не надуманный, а какой-то жизненный, необходимый людям - историческим и человеческим. Несомненно, Джоконда - это высшее воплощение идеала Возрождения умного, гордого, совершенного человека. Но не только. Ее странная улыбка, завораживающая и горькая, говорит и о другом представлении художника, об особом психологическом состоянии природы.    

В картине Иоанн Креститель чувствуется кричащий разлад. Призывая думать о небесном и там, в непроглядной тьме, искать спасения, сам полноценный проповедник аскетизма безмятежно пребывает в этом грешном мире. И этот разлад полностью соответствует неоднозначности его ироничной улыбки. Все это настолько противоречило традиционным представлениям Иоанна Крестителя, что уже в 17 веке картине было дано второе название (несмотря на изображенный крест): Вакх.   

А это значит, что упрекать художника в недостаточной приверженности исторической достоверности образа новозаветного персонажа вряд ли есть смысл. Правильнее будет заключить, что за этим Иоанном скрывается нечто несравнимо большее, чем одно из ликов евангельского повествования, что за ним - целое явление и определенное отношение к нему самого художника. В своем последнем произведении художник-гуманист разоблачил лицемерие аскетической проповеди и высказал то, что думает о католической церкви.  

Своей последней, завещательной картиной, как острым аккордом, Леонардо завершил битву гуманизма против аскетизма, которую начали и неустанно вели Боккаччо, Бруни, Поджио, Валла и, по сути, все искусство эпохи Возрождения.

Умер Леонардо да Винчи в замке Клу, недалеко от Амбуаза, 2 мая 1519 года в возрасте шестидесяти семи лет.

Рафаэль Санти  

Творчество Рафаэля Санти принадлежит к тем феноменам европейской культуры, которые не только обрели мировую известность, но и приобрели особое значение - высшие ориентиры в духовной жизни человечества. На протяжении пяти веков его искусство воспринималось как один из образцов эстетического совершенства. 

Гений Рафаэля раскрылся в живописи, графике, архитектуре. Работы Рафаэля - наиболее полное, яркое выражение классической линии, классического начала в искусстве Высокого Возрождения. Рафаэль создал универсальный образ прекрасного человека, совершенного физически и духовно, воплотил идею гармоничной красоты жизни.  

Рафаэль (точнее, Рафаэлло Санти) родился 6 апреля 1483 года в городе Урбино. Первые уроки живописи он получил у своего отца, Джованни Санти. Когда Рафаэлю было 11 лет, Джованни Санти умер, и мальчик остался сиротой (он потерял его за 3 года до смерти отца). Судя по всему, следующие 5-6 лет он учился живописи у Евангелисты ди Пьянндимелето и Тимотео Вити, второстепенных провинциальных мастеров.   

Духовная среда, окружавшая Рафаэля с детства, была чрезвычайно благотворной. Отец Рафаэля был придворным художником и поэтом герцога Урбино Федериго да Монтефельтро. Мастер скромного таланта, но образованный человек, он привил сыну любовь к искусству.  

Первые известные нам произведения Рафаэля были исполнены около 1500 - 1502 годов, когда ему было 17-19 лет. Это миниатюрные композиции Три грации, Рыцарский сон. Эти бесхитростные, но еще зрачковые робкие вещи отличаются тонкой поэзией и искренностью чувств. С первых же шагов творчества талант Рафаэля раскрывается во всей своей оригинальности, намечается его собственная художественная тема.   

К лучшим произведениям раннего периода относится Мадонна Конестабиле. Тема Мадонны особенно близка лирическому таланту Рафаэля, и не случайно она станет одной из главных в его творчестве. Композиции с изображением Мадонны с младенцем принесли Рафаэлю широкую известность и популярность. Хрупкие, кроткие, мечтательные Мадонны умбрийского периода сменились более земными, полнокровными образами, их внутренний мир стал более сложным, богатым эмоциональными оттенками. Рафаэль создал новый тип изображения Мадонны с младенцем - монументальный, строгий и лиричный одновременно, придав этой теме небывалую значимость.    

Он прославил земное существование человека, гармонию духовных и физических сил в картинах строф (комнат) Ватикана (1509-1517), добившись безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия цвета, единства цветов. фигуры и величие архитектурного фона. Много изображений Богородицы (Сикстинская Мадонна, 1515-19 гг.), Художественных ансамблей на росписях виллы Фарнезина (1514-18 гг.) И лоджий Ватикана (1519 г., со студентами). В своих портретах он создает идеальный образ человека эпохи Возрождения (Baldassare Castiglione, 1515). Спроектировал собор Святого Петра, построил часовню Киджи церкви Санта-Мария-дель-Пополо (1512-20) в Риме.    

Живопись эпохи Возрождения обращена к зрителю. Как прекрасные видения проходят перед его взором, картины, изображающие мир, в котором царит гармония. Люди, пейзажи и предметы на них такие же, какими он видит вокруг себя, но они ярче, выразительнее. Иллюзия реальности полная, но реальность, преобразованная вдохновением художника. И зритель восхищается ею, одинаково восхищаясь милой детской головкой и суровой старой головой, может быть, совсем не привлекательной в жизни. На стенах дворцов и соборов фрески часто рисуют на высоте человеческого глаза, а в композиции какая-то фигура прямо смотрит на зрителя, чтобы через нее он мог общаться со всеми остальными.     

Рафаэль - завершение. Все его искусство чрезвычайно гармонично, и разум, высший, соединен в нем с человеколюбием и духовной чистотой. Его искусство, радостное и счастливое, выражает определенное моральное удовлетворение, принятие жизни во всей ее полноте и даже гибели. В отличие от Леонардо, Рафаэль не мучает нас своими секретами, не ошеломляет своим всевидением, а ласково приглашает нас насладиться с ним земной красотой. За свою короткую жизнь он сумел выразить в живописи, наверное, все, что мог, то есть полное царство гармонии, красоты и добра.     

В Риме гений Рафаэля процветал полностью, в Риме, где в это время зародилась мечта о создании могущественного государства и где руины Колизея, триумфальные арки и статуи Цезаря напоминали о величии древней империи. Исчезли юношеская робость и женственность, эпический триумф над лирикой и родилось мужественное искусство Рафаэля, не имеющее себе равных по своему совершенству. 

Рафаэль, в отличие от Леонардо и Микеланджело, не смущал современников смелостью своих поисков: он стремился к высшему синтезу, к лучезарному завершению всего, что было достигнуто до него, и этот синтез был найден и воплощен им.

Флорентийские мадонны Рафаэля - красивые, милые, трогательные и очаровательные молодые мамы. Мадонны, созданные им в Риме, т.е. в период полной художественной зрелости, приобретают другие черты. Они уже хозяйки, богини добра и красоты, могущественные в своей женственности, облагораживающие мир, смягчающие человеческие сердца. Мадонна в кресле, Мадонна с рыбой, Мадонна дель Фолиньо и другие всемирно известные Мадонны (начертанные в круге или превосходящие другие фигуры в больших алтарных композициях) означают новые поиски Рафаэля, его путь к совершенству. в воплощении идеала образ Богородицы.    

Запрестольный образ Богоматери Сикстинская Мадонна, написанный для алтаря св. Сикста в бенедиктинской церкви города Пьяченца, за пять или шесть лет до смерти художника, является признан шедевром Рафаэля. Сегодня Сикстинская Мадонна хранится в Дрезденской галерее. На пышной подушке облаков христианские мученики, старый Папа Сикст II и прекрасная юная Святая Варвара преклонили колени, симметрично расположенные, с нежностью устремив взор на гуляющую среди облаков Богородицу. Идеальная фигура Марии покрыта серебряной дымкой. Три фигуры образуют треугольник, их близость и единство усиливает задернутая занавеска в верхних углах картины. Образ Царицы Небесной наполнен земной, жертвенной любовью, она наставница и защитница людей, она мать, которая проходит величайшее испытание на земле. Поэтому ее взгляд наполнен легкой грустью. Описывая свое итальянское путешествие в книге прозы Пространство Евклида, Кузьма Петров-Водкин говорит: Вы приходите к Рафаэлю, как на отдыхе. Эта нежная ясность, детская гениальная игривость с цветом и формой, то беззаботно веселая, то задумчивая и грустно - обезоруживает, отпускает напряженные мускулы. Совершенный в своих силах, Рафаэль не боится композиционных канонов. Было бы не страшно и легко было бы жить в живописном пространстве Рафаэля: ни один персонаж не обидит вас и приняли бы в его окружение, и у вас не было бы мысли потревожить их мысли.       

Достоевский видел в Сикстинской Мадонне высшую меру человеческого благородства, высшее проявление материнского гения. В его комнате висела его большая репродукция длиной до пояса, в которой он умер. 

Таким образом, неувядающая красота поистине великих произведений искусства вдохновляет лучшие таланты и умы грядущих веков.

Сикстинская Мадонна - воплощение того идеала красоты и добра, который смутно вдохновлял народное сознание в эпоху Рафаэля и который Рафаэль выразил до конца, открыв занавес, тот самый, который отделяет повседневную жизнь от вдохновенных снов, и показал этот идеал для мира, для всех нас и для тех, кто придет после нас.

Рафаэль был не только непревзойденным мастером идеально выстроенной композиции: цвет его картин, яркий и в то же время прозрачный и легкий, чудесно сочетался с четким узором.

Этот великий художник оставил свой след в скульптуре. Среди его учеников - скульптор Лоренцо Лоренцетти. По эскизам и под руководством своего великого учителя он выполнил несколько скульптур, из которых до нас дошла только одна - Мертвый мальчик на дельфине. Он воплощает в мраморе идеал красоты Рафаэля, его ритм и гармонию: нет ужаса смерти, кажется, будто ребенок уснул мирно.   

Живопись Рафаэля, ее стиль, ее эстетические принципы отражали мировоззрение эпохи. К третьему десятилетию 16 века культурная и духовная ситуация в Италии изменилась. Историческая реальность разрушила иллюзию гуманизма эпохи Возрождения. Пробуждение подходило к концу.   

Жизнь Рафаэля оборвалась в возрасте 37 лет 6 апреля 1520 года. Великий художник получил высшие почести: его прах был захоронен в Пантеоне. Рафаэль был гордостью Италии для своих современников и остается ею для потомков.  

Микеланджело Буонарроти  

Наивысший расцвет Флорентийской республики во второй половине 16 века. связано с правлением Лоренцо Медичи по прозвищу Великолепный. Сам он обладал ораторским и поэтическим даром, умел ценить талант окружающих его поэтов и художников. Лоренцо Великолепный приблизил к себе поэта и драматурга Анджело Полициано, философа-гуманиста Пико делла Мирандола, живописца, скульптора, архитектора и поэта Микеланджело Буонарроти (1475-1564), начинавшего как скульптор. Круг Лоренцо Великолепного оценил его рельеф, изображающий борьбу Геракла с кентаврами, а скульптура спящего купидона была выдана скульптором за античный оригинал, и ему поверили, что его творение было настолько совершенным. Он завоевал место первого итальянского скульптора своей статуей Пьеты, изображающей Богородицу с мертвым Христом на коленях.     

Микеланджело Буонарроти, потомок древней, но бедной дворянской семьи, был патриотом и демократом. В отличие от Леонардо, его отношение преобладало гражданство. Он участвовал в боях против тирании, руководил всеми укреплениями родной Флоренции, осажденной войсками германского императора и папы, и только завоеванная им слава в искусстве спасла его тогда от репрессий победителей.  

Микеланджело глубоко чувствовал свою связь с родным народом, с родной землей.

Рафаэль подарил человечеству радость безмятежного восхищения миром во всей его величественной и восхитительной красоте, раскрытой гением художника.

Гений Микеланджело выражает в искусстве иной принцип.

В основе веры и идеала Микеланджело лежит то, что из всех крупнейших представителей Возрождения он наиболее последовательно и безоговорочно верил в огромные возможности, заложенные в человеке, в то, что человек, постоянно напрягая свою волю, может выковать собственный образ. цельнее и ярче, чем создано природой. И этот образ Микеланджело выковал в искусстве, чтобы превзойти природу. Необходимо не только подражать природе, но и постигать ее намерения, чтобы полностью выразить, завершить работу природы в искусстве и тем самым подняться над ней.  

Леонардо и Рафаэль стремились к этой цели, но никто до Микеланджело не проявлял в этом стремлении такой ошеломляющей смелости.

Рядом с галереей Уфиция, где собраны шедевры эпохи Возрождения, установлена ​​мраморная скульптура Давида, побеждающего Голиафа. Поразительное мастерство Микеланджело проявилось в том, что гигантская фигура была вырезана из цельного куска мрамора. Отсюда известное определение искусства скульптуры: скульптор удаляет из материала все лишнее, оставляя только изображение.  

В начале XVI в. Микеланджело был вызван Папой Юлием II в Рим, где он заказал множество скульптур и рельефов, в том числе его могилу, украшенную статуями библейских пророков. Вскоре папа потерял интерес к строящейся для него гробнице, посчитав это плохим предзнаменованием. Взамен он приказывает Микеланджело украсить потолок Сикстинской капеллы. Мастер, ранее не занимавшийся живописью, рисует шестьсот метров поверхности грандиозным циклом фресок Страшный суд, который является грандиозной тайной сотворения мира и человека.    

На склоне лет Микеланджело посвящает себя архитектуре. Бесплатно, во славу Божию, он руководит строительством собора Святого Петра в Риме, но смерть прервала работу. 

Вазари оставил нам портрет Микеланджело - круглая голова, большой лоб, выступающие виски, сломанный нос (удар Торриджани), глаза скорее маленькие, чем большие. Такая внешность не сулила ему успеха у женщин, к тому же он был сухим в своем отношении, суровым, необщительным, насмешливым. Женщина, которая поймет Микеланджело, должна была обладать большим умом и врожденным тактом. Он встретил такую ​​женщину, но слишком поздно, ему тогда было уже 60 лет. Это была Виттория Колонна, чьи высокие таланты сочетались с широким образованием, изысканностью ума. Только в ее доме художник свободно проявил свой ум и знания в области литературы и искусства. Очарование этой дружбы смягчило его сердце. Умирать. Микеланджело пожалел, что не поцеловал ее в лоб, когда она умерла. Любовь шестидесятилетнего Микеланджело к известной поэтессе Виттории Колонна заставила его стать поэтом. 

Микеланджело считал себя прежде всего скульптором, и даже только скульптором. Возможно, в горделивых мыслях он мечтал, что его долото нужно не только для мраморной глыбы, которую он выбрал для работы, но и для каждой скалы, горы, всего бесформенного, хаотично нагроможденного в мире. В конце концов, удел искусства - довершать дело природы, утверждать красоту. И это, подумал он, подходит только скульптору.   

Микеланджело иногда говорил о живописи с высокомерием, даже с раздражением, если не о своем ремесле.

Созданные его кистью грандиозные образы, как и скульптуры Микеланджело, поражают беспрецедентной пластической выразительностью. В его творчестве, а может быть и только в нем, скульптура действительно светильник живописи. Ведь скульптура помогла Микеланджело гармонично объединить и сконцентрировать в одном определенном живописном образе всю пластическую красоту, скрытую в человеческой фигуре.  

Первоначальное становление Микеланджело как художника происходило в условиях, сближавших его с Леонардо да Винчи. Как и Леонардо, он был учеником известного флорентийского мастера кватроченто. Есть свидетельства того, что этот мастер Доменико Гирландайо, как и учитель Леонардо Верроккьо, ревновал своего ученика. Как и Леонардо, изысканное искусство, процветавшее при дворе Лоренцо Великолепного, не могло удовлетворить Микеланджело. И одна из первых его работ - Мадонна у лестницы, высеченная им в мраморе, когда ему едва исполнилось шестнадцать лет, не избалованным патрицием и даже не трогающей в своей любви к ребенку молодой матери, а суровой и величавой. Дева, осознающая свою славу и знающая о приготовленном для нее трагическом испытании.    

В отличие от художников прошлого века, которые работали среди людей, художники чинквеченто входят в высший, патрицианский круг. Идеалы свободы людей попираются абсолютизмом. Светским и духовным правителям нужно искусство, которое прославляло бы их дела: они привлекают к себе на службу самых известных художников, скульпторов и архитекторов.  

Папа Юлий II вызвал Микеланджело в Рим, чтобы дать ему грандиозную задачу: этот суровый и упорный честолюбец, который иногда мечтал создать церковную империю более могущественную, чем империя Цезарей, желал, чтобы ему при его жизни воздвигли гробницу, которая по своим размерам и великолепию превосходил все, что было создано прежде в мире, и решил, что только Микеланджело сможет справиться с такой задачей.

Грандиозная папская надгробная плита по проекту Микеланджело - мавзолей, украшенный сорока статуями - не была достроена. Микеланджело добывал мрамор, количество которого поразило весь Рим, и собирался приступить к работе, когда внезапно услышал, что Папа не желает оплачивать стоимость мрамора. Когда он явился Юлию II, его не пустили, он объявил, что это приказ самого Папы.  

Обиженный на Микеланджело, он немедленно покинул Рим. Поуп послал за ним погоню, требуя его возвращения, но художник ослушался, что было признано неслыханной наглостью. 

Дело в том, что Юлий II по совету соперника Микеланджело Браманте решил перестроить собор Святого Петра, чтобы этот храм, оплот католической церкви, стал самым грандиозным и величественным во всем христианском мире.. В результате постройка гробницы отошла на второй план. Микеланджело объяснил такое решение завистливыми происками Браманте и считал, что его отношения с Папой навсегда разорваны. Однако этого не произошло. Состоялось примирение, и Микеланджело получил от папы новый приказ, по масштабу не уступающий задуманной надгробной плите.    

Юлий II поручил Микеланджело расписать потолок Сикстинской капеллы, домашней церкви пап в Ватикане.

Ни одному итальянскому художнику раньше не приходилось браться за такую ​​гигантскую картину: около шестисот квадратных метров! Причем не на стене, а на потолке. 

Микеланджело начал эту работу 10 мая 1508 года и закончил 5 сентября 1512 года. Более четырех лет работы, потребовавшей почти сверхчеловеческого духовного и физического напряжения.

Рисуя Сикстинскую капеллу, Микеланджело научил свои глаза смотреть на свод, так что позже, когда работа была закончена и он снова стал держать голову прямо, он почти ничего не мог видеть; когда ему приходилось читать письма и бумаги, он должен был держать их высоко над головой. И совсем чуть-чуть он снова привык читать, глядя перед собой вниз.  

На потолке Сикстинской капеллы Микеланджело создал изображения, в которых по сей день мы видим высшее проявление человеческого гения и человеческой смелости. В письме к брату он справедливо заявил: Я работаю силой, больше, чем кто-либо из когда-либо существовавших. 

Хотя Микеланджело позже обратился к архитектуре, он также прославил свое имя в этом искусстве. Ему мы обязаны гробницей Медичи; интерьер библиотеки Лауренциана (тоже во Флоренции, первая публичная библиотека в Европе) со знаменитой лестницей, которая, по словам В. Н. Лазарева, похожа на поток лавы, льющийся из узкого дверного проема, и чьи кривые ступени кажутся нам быть вечно подвижным в их, как неудержимое чередование. Он занимался грандиозной реконструкцией древнеримской площади Капитолия с установкой посреди античной конной статуи императора Марка Аврелия, увенчанной огромным карнизом, шедевра архитектуры эпохи Возрождения, дворца Фарнезе в Риме.   

Над возведением нового грандиозного собора Святого Петра, которым папское государство хотело прославить свою мощь, по очереди работали самые известные архитекторы того времени: Браманте, Рафаэль, Бальдассаре Перуцци, Антонио да Сангалло Младший. В 1546 году Микеланджело взял на себя руководство работой. 

Купол собора Святого Петра - венец архитектурного творчества Микеланджело. Как и в самых совершенных творениях его кисти и резца, бурный динамизм, внутренняя борьба контрастов, все движение наполнения властно и органично включено в замкнутое целое идеальных пропорций. 

Микеланджело умер 18 февраля 1564 года в возрасте восьмидесяти девяти лет после непродолжительной болезни, которая сбила его с ног в разгар работы.

Он добился большой известности еще при жизни, и его авторитет был неоспорим.

В произведениях Микеланджело выражена боль, вызванная трагедией Италии, слитая с болью собственной печальной судьбы.

Микеланджело нашел в архитектуре красоту, не смешанную со страданиями и несчастьями. После смерти Браманте Микеланджело взял на себя строительство собора Святого Петра. Достойный преемник Браманте, он создал по сей день непревзойденный по размеру и величию купол.  

У Микеланджело не было ни учеников, ни так называемой школы. Но весь созданный им мир остался. 

Сандро Боттичелли  

Имя Сандро Боттичелли известно во всем мире, как и имя одного из самых выдающихся художников итальянского Возрождения.

Сандро Боттичелли родился в 1444 (или 1445 году) в семье кожевника, флорентийского гражданина Мариано Филиппи. Сандро был младшим, четвертым сыном Филиппепи. В 1458 году отец, давая сведения о своих детях для налоговой отчетности, сказал, что его сын Сандро, тринадцати лет, учился читать и что у него слабое здоровье. К сожалению, почти ничего не известно о том, где и когда Сандро получил художественное образование и действительно ли он, согласно старинным источникам, изучал ювелирное ремесло, а затем начал рисовать. Судя по всему, он был учеником известного художника Филиппа Липпи, в мастерской которого он мог работать между 1465-1467 годами. Также возможно, что Боттичелли какое-то время, в 1468 и 1469 годах, работал у другого известного флорентийского художника и скульптора Андреа Верроккьо. В 1470 году он уже имел собственную мастерскую и самостоятельно выполнял полученные заказы.      

Очарование искусства Боттичелли всегда остается немного загадочным. Его работы вызывают ощущение, которое не вызывают у других мастеров. Искусство Боттичелли за последние сто лет после его открытия оказалось слишком перегруженным всевозможными литературными, философскими и религиозными ассоциациями и комментариями, которыми его наделили искусствоведы и искусствоведы. Каждое новое поколение исследователей и поклонников пыталось найти в картинах Боттичелли оправдание своим взглядам на жизнь и искусство. Один видел Боттичелли веселым эпикурейцем, другой - возвышенным мистиком, то его искусство рассматривалось как наивный примитив, то они видели в нем буквальную иллюстрацию самых изощренных философских идей, некоторые искали невероятно загадочные интерпретации сюжетов его произведений, других интересовали только особенности их формального устройства. Каждый находил разное объяснение образам Боттичелли, но они не оставили равнодушным никого.     

Боттичелли уступал многим художникам XV века: одних мужественной энергией, другим - правдивой точностью деталей. Его образы (за очень редкими исключениями) лишены монументальности и драматизма, их преувеличенно хрупкие формы всегда немного произвольны. Но, как никакой другой художник 15 века, Боттичелли был наделен способностью тончайшего поэтического постижения жизни. Впервые ему удалось передать тонкие нюансы человеческого опыта. Радостное возбуждение сменяется в его картинах меланхолической мечтой, всплески веселья - ноющей меланхолией, спокойное созерцание - неуправляемой страстью.    

Необычно остро для своего времени Боттичелли ощутил непримиримые противоречия жизни - социальные противоречия и противоречия собственной творческой личности - и это наложило яркий отпечаток на его произведения. Беспокойное, эмоционально утонченное и субъективное, но в то же время бесконечно человечное искусство Боттичелли было одним из самых своеобразных проявлений гуманизма эпохи Возрождения. Боттичелли обновил и обогатил рационалистический духовный мир людей эпохи Возрождения своими поэтическими образами.  

В своих знаменитых полотнах Мадонна с младенцем (Магнификат) Мадонна на троне с ангелами он изобразил юных нежных женщин, нашедших свое счастье в материнстве. Их внутренняя жизнь полна размышлений и загадок. Боттичелли выразил флорентийский неоплатонический дух - энтузиазм, вызванный ностальгией по древней гармонии духа и тела, утерянной навсегда. Языческую мифологию поддерживает его Аллегория весны, написанная по заказу семьи Медичи. Картина воссоздает смену времен года, неизбежность отступления весеннего цветения природы под властью законов времени. Идея одной из самых известных картин Боттичелли Рождение Венеры связана с античным мифом. Венера, выходящая с поверхности моря, направляется двумя зефирами на землю, а Весна прикрывает ее своим плащом. Боттичелли подтверждает мысль неоплатоников: красота рождается из союза духа и материи, идеи и природы. Данте Сандро Боттичелли выразил восхищение Божественной комедией в иллюстрациях к стихотворению.        

Новое направление в искусстве Боттичелли получает свое крайнее выражение в последний период его деятельности, в произведениях 1490-х - начала 1500-х годов. Здесь приемы преувеличения и диссонанса становятся почти невыносимыми (например, Чудо святого Зенобия). Художник либо погружается в бездну безнадежной печали, либо предается просвещенному возвышению (Причастие святого Иеронима). Его живописная манера упрощена почти до иконографической условности, отличаясь какой-то наивной косноязычностью. Плоский линейный ритм полностью подчиняется как рисунку, доведенному до предела простоты, так и цвету с его резкими контрастами локальных красок. Образы словно теряют свою настоящую земную оболочку, выступая в роли мистических символов. И все же в этом религиозном искусстве человеческое начало проявляет огромную силу. Никогда прежде художник не вкладывал в свои работы столько личного чувства, никогда раньше его изображения не имели такой высокой моральной ценности.       

Последние пять лет своей жизни Боттичелли вообще не работал. В произведениях 1500–1505 годов его искусство достигло переломного момента. Упадок реалистического мастерства, а вместе с ним и огрубление стиля неумолимо свидетельствовали о том, что художник зашел в тупик, из которого для него нет выхода. В разладе с самим собой он исчерпал свои творческие возможности. Забытый всеми, он прожил в бедности еще несколько лет, вероятно, с горьким недоумением, наблюдая за новой жизнью, новым искусством вокруг себя.    

Со смертью Боттичелли заканчивается история флорентийской живописи раннего Возрождения - настоящей весны итальянской художественной культуры. Современник Леонардо, Микеланджело и молодого Рафаэля, Боттичелли оставался чужд их классическим идеалам. Как художник, он полностью принадлежал 15 веку и не имел прямых преемников в живописи Высокого Возрождения. Однако его искусство не умерло вместе с ним. Это была первая попытка раскрыть духовный мир человека, робкая попытка, закончившаяся трагически, но получившая через поколения и века свое бесконечно многогранное отражение в творчестве других мастеров.    

Искусство Боттичелли - это поэтическое исповедание великого художника, которое волнует и всегда будет волновать сердца людей.

Заключение

Начиная с четырнадцатого века итальянские художники и поэты обратили взоры на древнее наследие и попытались возродить в своем искусстве образ прекрасного, гармонично развитого человека. Понятие Возрождение ввел в научный оборот выдающийся искусствовед Джорджо Вазари в Биографиях великих художников, скульпторов и архитекторов (1550 г.). 

Эволюция итальянского Возрождения была тесно связана с развитием философии, политической идеологии, науки и других форм общественного сознания и, в свою очередь, оказала мощное влияние на художественную культуру Возрождения.

Гуманистическое мировоззрение стало одним из крупнейших прогрессивных завоеваний Возрождения, оказавшим сильное влияние на все последующее развитие европейской культуры.

Какое аполлоническое совершенство, какое душевное богатство и героическое возвышение духа может и должно достичь человек, только искусство Высокого Возрождения показало в полную силу - и в Давиде Микеланджело, и в Сикстинской мадонне Рафаэля. То, что в искусстве Quattrocento заключалось только в силе, в намеке, здесь раскрывается в могучем цветении. Однако было бы ошибкой думать, что искусство Высокого Возрождения - это то же искусство Раннего Возрождения, только во всей красе проявлений. Пусть желание раскрыть внутренний мир человека прорвется в одних из лучших творений Quattrocento, чтобы эта тенденция действительно реализовалась, само понимание человека, его внутренний мир должны были очень существенно измениться.    

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль, Боттичелли... Каждый из них - гений, их творческое наследие велико и значимо для человечества.

Простодушный человек со временем устанет от бесконечной изнурительной борьбы героев Микеланджело и будет привлечен ясной простотой персонажей Рафаэля.

Человек прометеевского происхождения будет приведен от пропорционального существования Рафаэля к страстным порывам Микеланджело или к таинственным безднам Леонардо.

Но четверо из них создали гармонию - мир человека Высокого Возрождения: это мир без подлости и лжи, мир титанов и ученых, мир лучезарной простоты, мир, двери которого всегда открыты для нас.

Список литературы

1. Багдасарян Н.Г. Культурология. М.: Высшая школа, 2005.  
2. Баутдинов Г. Ренессанс - эпоха титанов // Сенатор. - 2004. 
3. Культурология / Иконникова С.Н., Каган М.С., Кармин А.С., Солонин Ю.Н., Дианова В.М. М.: Высшее образование, 2003. 
4. Культурология. История мировой культуры / Под ред. Профессор А. Н. Маркова. М.: ЮНИТИ, 2002.   
5. Любимов Л. Искусство Западной Европы. М.: Просвещение, 2003. 
6. Рачева Е. Титан Возрождения. Микеланджело Буонарроти // Культура. - 2003.   
7. Соколов М.Н. Вечное Возрождение. М.: Проспект, 2004.  
8. Стам С.М. Светильники Возрождения. Саратов: Интра, 2005.