Реферат на тему: Отечественная культура в начале 20 века

Содержание:

Введение

В России конца 19-начала 20 вв. в период "неслыханных перемен" и "невиданных восстаний", научно-технического прогресса и острых политических катаклизмов произошли глубокие и серьезные изменения в искусстве, определившие новые и неповторимые пути его развития.

С одной стороны, искусство того времени - это отказ от старых художественных традиций, попытка творчески переосмыслить наследие прошлого. Никогда еще художник не был так свободен в своем творчестве – создавая картину мира, он получал реальную возможность ориентироваться на собственный вкус и предпочтения.

Культура конца 19-го и начала 20-го веков многогранна. Иногда кажется, что это сплошная мешанина стилей, направлений, направлений и школ, которые одновременно взаимодействуют и конкурируют друг с другом. Потрясения, войны, изменения в социальной структуре, тенденции новых ценностей и устремлений Запада, растущий интерес общества к наукам и искусствам – все это сильно повлияло на развитие культуры того времени. Всплеск творческой энергии, появление новых жанров, изменение и усложнение тем произведений стали началом новой эпохи, которую называют Серебряным веком.

Этот период до сих пор представляет большой интерес как для профессионалов, так и для обычных любителей искусства. Моя цель-изучить как можно более подробно литературу, изобразительное искусство, архитектуру и театральное искусство той эпохи, поскольку эти культурные тенденции дают наиболее точное понимание сущности Серебряного века. Я хотел бы рассмотреть и классифицировать основные тенденции, выделить из них конкретные жанры и описать их наиболее яркие особенности. Моя задача-также перечислить главных деятелей культуры, внесших свой вклад в развитие того или иного вида искусства.

Символизм

Начало серебряного века было положено символистами; символизм был первым значительным модернистским движением в России. Все изменения в литературе, новые школы и направления отчасти находятся под ее влиянием, даже те, которые созданы в противоречии с ней. В русском символизме нет единства понятий, у него не было единой школы, единого стиля, он выражался в изобилии способов самовыражения. Символистов объединяло недоверие к обыденному и банальному, стремление выразить свои мысли через символы и аллегории, будь то в изобразительном искусстве или литературе.; желание придать своему творению еще более расплывчатую, неоднозначную окраску.

Изначально русский символизм имеет те же корни, что и западный – "кризис позитивного мировоззрения и морали". Стремление заменить мораль и логику эстетикой, положение о том, что "красота спасет мир", стало главным принципом ранних русских символистов, в противовес идеологии народничества. В конце XIX века интеллигенция и богема, с некоторой тревогой смотревшие в будущее, не сулящее ничего хорошего, восприняли символизм как глоток свежего воздуха. Она становилась все более популярной, привлекая все больше и больше талантливых людей, которые, каждый со своим уникальным взглядом на вещи, делали символику столь разнообразной. Символисты стали выражением тоски по духовной свободе, трагическим предчувствием грядущих перемен, символом доверия к проверенным веками ценностям. Чувство незащищенности и нестабильности, страх перед переменами и неизвестностью объединяли столь разные философии и взгляды на жизнь. Символизм-это удивительное собрание множества личностей, характеров, интимных переживаний и впечатлений, которые хранятся глубоко в душе поэта, писателя или художника. Только чувство упадка, ностальгические настроения, меланхолия объединяют многие лица в одно.

У истоков символизма в Петербурге стояли Дмитрий Мережковский и его жена Зинаида Гиппиус, в Москве – Валерий Брюсов. Мотивы трагической обособленности, отрешенности от мира, волевого самоутверждения личности прослеживаются в творчестве Гиппиус; социальная направленность, религиозно-мифологические сюжеты-у Мережковского; баланс противоположного, борьба за жизнь и смирение перед смертью пронизывают творчество Брюсова. Большой популярностью пользуются стихи Константина Бальмонта, заявившего, что для символистов характерен "поиск соответствий" между звуком, смыслом и цветом. Увлечение Бальмонта звукозаписью, красочными прилагательными, вытесняющими глаголы, приводит к созданию почти "бессмысленных", по мнению недоброжелателей, текстов, но это явление впоследствии приводит к появлению новых поэтических концепций.

Несколько позже у молодых символистов сложилась тенденция создания романтически окрашенных кружков, в которых, обмениваясь опытом и идеями, они оттачивали свое мастерство. А. Блок, А. Белый, В. Иванов и многие другие уделяли большое внимание морально-этическим идеалам, стараясь сочетать интересы общества со своими собственными.

Литература и искусство в это время процветали, старые стили возрождались, появлялись новые, и невозможно было точно определить, где кончается одно и начинается другое, границы были неземными и туманными, все витало в воздухе.

История символизма очень трагична, как и история многих других жанров. Поначалу символизм был встречен более чем холодно-произведения, не приспособленные к русскому обществу, не имевшие ничего общего с землей и народом, были непонятны широким массам и практически высмеивались. После короткого периода процветания, вопреки символистам, начинают формироваться новаторские тенденции с более приземленными и жесткими принципами. В последнее десятилетие перед революцией символизм пережил кризис и упадок. Некоторые символисты не приняли революцию 1917 года и были вынуждены эмигрировать из страны. Многие продолжали писать, но символизм неумолимо угасал. Тех, кто остался в стране, ждало переосмысление старых ценностей. Символисту нечем было зарабатывать себе на жизнь в послереволюционной России.

В начале 20-х годов образовалось несколько центров русской эмиграции, в том числе в Париже, Праге, Берлине, Харбине, Софии. С учетом условий той или иной страны здесь формировались основы культурной жизни русского зарубежья. Культура русской эмиграции базировалась на традициях классической культуры. Эти люди считали своей задачей сохранение и развитие русской культуры. Значительную роль в становлении духовной жизни эмиграции сыграли русские газеты, их издавалось около ста. В таких странах, как Чехословакия, Болгария, были открыты учебные заведения русской диаспоры. В Берлине созданы хорошие условия для издания произведений эмигрантских авторов. В среде зарубежной интеллигенции возникли различные идейно – политические течения, отражавшие поиск путей возрождения России и ее культуры, одно из таких течений- евразийство.

Осложнение международной обстановки в 1930-е годы способствовало возобновлению споров среди эмигрантов о судьбе России и возможности возвращения на родину. Писатель А. Куприн и поэтесса М. Цветаева вернулись в СССР. Но растущая тоталитарная система заставила многих отказаться от идеи возвращения домой.

Акмеизм

Своеобразным "антонимом" символизма стал акмеизм-литературное направление, возникшее в начале xx века, главным идеологом которого был Николай Гумилев. Акмеисты провозглашали материальность, объективность тем и образов, точность и прямоту слова в противовес запутанным и расплывчатым знакам символизма. Акмеизм связан с деятельностью "Мастерской поэтов" - нескольких творческих объединений в разных городах России и Европы, центральной фигурой которых был Гумилев. Он, О. Мандельштам, С. Городецкий, В. Нарбут и А. Ахматова стояла у истоков акмеизма.

Акмеисты избегали в своих произведениях социальных тем, ставя выше всего стремление к "мужественно твердому и ясному взгляду на жизнь", рисуя идеал поведения. Акмеизм-это в какой-то мере жанр смирения. Он больше не ожидает перемен с тревогой, которую можно найти в символизме, но с готовностью принимает мир таким, каков он есть, не возвышая его и не идеализируя. Поэзия акмеизма отличалась повышенной склонностью к культурным ассоциациям, она вступала в перекличку с прошлыми литературными эпохами. Мандельштам определил ее как "тоску по мировой культуре". В его произведениях прослеживается влияние античности, мотивы и настроения "экзотического романа" и "железного стиха" характерны для Гумилева, идеи натурфилософии у Зенкевича.

Особое место в поэзии акмеизма занимает творчество Анны Ахматовой. Критики сразу отметили отличительные черты ее поэзии: сдержанность интонации, интимность, психологизм. Своей любовью к человеку, своей верой в его духовные силы Ахматова явно отошла от представлений акмеистов о животной природе человека, о близости современного человека к Адаму. Творчество Ахматовой становится своеобразным мостиком от дореволюционной культуры к культуре советского периода, хотя, по сути, Анна не была частью ни той, ни другой. Анна Андреевна сумела стать поэтессой, стоя в стороне от школ и направлений, избегая классификаций и определений. Может быть, причина в ее нелегкой судьбе: идеология разрушила ее семью, сама Анна прошла через тяжелые времена гонений, став поэтом без ярлыка, без направления, которое увековечено в памяти людей.

Футуризм

Параллельно с этими двумя направлениями развивалась бунтарская культура футуризма. Для него было характерно презрение к искусству прошлого, стремление создавать свое, новое, вовлекать в него широкие массы, выступать от их имени. Одной из его главных черт было стремление шокировать и шокировать общественность, отрицание идеалов прошлого, курса на будущее и, как следствие, культ технологий, урбанизации и индустриальных городов. Футуристы объявили себя противниками буржуазного общества, которое "уродует личность", они отвергли любые литературные традиции, прежде всего-классическое наследие, утверждая, что оно безнадежно устарело. В этом их главное (помимо стилистического) отличие от акмеистов, которые, хотя и считались противниками символистов, все же многое у них заимствовали. Футуризм-это искусство нового, переделанного мира, беспощадного по отношению к прошлым векам и борющегося с оптимизмом во имя будущего.

Характерными стилистическими отличиями футуризма от других направлений являются эксперименты со словом, с рифмой и ритмом; бунт против привычных норм поэтической речи, ориентация на произносимый стих, лозунг, плакат. В некоторых случаях русский язык был практически заменен набором бессмысленных слов.

Основоположниками русского футуризма считаются "будетляне" (термин происходит от глагола" воля"), члены петербургской группы" Гилея "(Владимир Хлебников, Алексей Крученых, Владимир Маяковский и Давид Бурлюк) , выпустившие в декабре 1912 года манифест "Пощечина общественному вкусу". Этот манифест призывал " Отказаться от Пушкина, Достоевского, Толстого и т. и так далее.

С корабля современности" и сформулировал 4 права поэтов:

• Увеличить словарный запас поэта в его объеме произвольными и производными словами;
• Всепоглощающая ненависть к языку, существовавшему до них;
• С ужасом снять с гордого чела своего из банных веников сделанный Венок копеечной славы;
• Встаньте на блок слова " мы " среди моря свиста и негодования.

Как и другие модернистские течения, футуризм имел внутренние противоречия. Наиболее значительная футуристическая группа, получившая впоследствии название кобофутуризма, включала Д. Бурлюка, В. Хлебникова, А. Крученых, В. Каменского, В. Маяковского и др. С другой стороны, существовала группа эгофутуристов, лидером которой был И. Северянин. Эгофутуризм, помимо прочих черт, отличался определенной утонченностью ощущений, употреблением новых иностранных слов и показным эгоизмом.

Футуризм оказался творчески продуктивным – важным следствием футурологических исследований стало осознание того, что непонимание или неполное понимание в искусстве не всегда является проблемой, но иногда необходимым условием полноценного восприятия. Приобщение к искусству воспринимается как работа, сотворчество, зритель или читатель уже не пассивен, он не потребляет искусство, а активно постигает его и добавляет что-то новое.

Имажинизм

Из футуризма пришло также течение имажинизма, представители которого утверждали, что целью творчества является создание образа. Основным выразительным средством имажинистов является метафора, часто метафорические цепочки, сравнивающие различные элементы двух образов — прямого и образного. Творчество имажинистов характеризуется эпатажными и анархическими мотивами.

Как поэтическое движение имажинизм возник в 1918 году, когда в Москве был основан "Орден имажинистов". Создателями "Ордена" были выходец из Пензы Анатолий Мариенгоф, бывший футурист Вадим Шершеневич и Сергей Есенин, ранее входивший в группу новокрестьянских поэтов. Черты характерного метафорического стиля содержались и в более ранних произведениях Шершеневича и Есенина, а Мариенгоф организовал в родном городе литературную группу имажинистов. Имажинистская "Декларация", опубликованная 30 января 1919 года. в воронежском журнале "Сирена", помимо них, расписались поэт Рюрик Ивнев и художники Борис Эрдман и Георгий Якулов. К имажинизму присоединились также поэты Иван Грузинов, Матвей Ройзман, Александр Кусиков и Николай Эрдман.

В 1919-1925 годах имажинизм был самым организованным поэтическим движением в Москве. В художественных кафе устраивались популярные творческие вечера, издавались многочисленные авторские и коллективные сборники, издавался журнал "Гостиница для путешественников в прекрасном" (1922-1924), для которого создавались издательства "Имажинисты", "Плеяда", "Чихи-Пихи" и "Сандро" (последние два возглавлял А. Кусиков). Ряд поэтов выступил с теоретическими трактатами ("Ключи Марии" Есенина, "Буян-остров" Мариенгофа, Шершеневича, "Имажинизм главного" Грузинова). Имажинисты также стали печально известны своими возмутительными выходками.

Организационно имажинизм фактически распался к 1925 году: в 1922 году Александр Кусиков эмигрировал, в 1924 году Сергей Есенин и Иван Грузинов объявили о роспуске "Ордена", другие имажинисты отошли от поэзии, обратившись к прозе, драматургии и кинематографу. Летом 1927 года было объявлено о ликвидации "Ордена имажинистов". Отношения и действия имажинистов были затем подробно описаны в мемуарах Мариенгофа, Шершеневича и Ройзмана.

Среди последователей имажинистов, или "младших имажинистов", была поэтесса Надежда Вольпин, известная также как переводчик и мемуарист.

Сатирическая поэзия

На рубеже веков, в ходе "революционных преобразований" сатирического и поэтического поля, произошли и изменения, если не революционные, то все же. Упомянутые выше модернистские тенденции не только сформировали новые тенденции, но и оказали значительное влияние на существующие.

1 апреля 1908 года было символической датой. В этот день в Петербурге вышел первый номер нового еженедельного журнала "Сатирикон", который затем на протяжении целого десятилетия оказывал заметное влияние на общественное сознание. Первым главным редактором журнала стал художник Алексей Александрович Радаков, а с девятого номера этот пост перешел к писателю-сатирику, драматургу и журналисту Аркадию Тимофеевичу Аверченко.

"Сатирикон" был веселым и едким изданием, саркастическим и злобным; в нем остроумный текст соседствовал с саркастическими карикатурами, смешные анекдоты заменялись политической карикатурой. В то же время журнал отличался от многих других юмористических изданий тех лет своим социальным содержанием: здесь, не выходя за рамки приличия, бескомпромиссно высмеивались представители власти, черносотенцы. "Сатирикон" привлекал читателей тем, что его авторы практически отказывались разоблачать конкретных высокопоставленных чиновников. Ведь глупость везде остается глупостью, пошлость — пошлостью, а потому на первый план выходит желание показать человеку такие ситуации, когда он сам смешон. Объективная сатира сменяется "лирической сатирой", самоиронией, которая позволяет раскрыть характер "изнутри". Особенно ярко это проявилось в поэзии, где объектом сатирического или юмористического изображения является лирический герой.

Изобразительное искусство

Модернизм, пришедший из Европы в Россию, получил множество ответвлений и интерпретаций. Одни жанры получили широкое распространение, история развития других содержит лишь несколько имен художников. Тем не менее изобразительное искусство того времени, как и литература, изобилует новыми методами и формами.

Импрессионизм

Невероятно популярное сегодня в Европе течение, давшее мировой культуре столько великих имен, не пощадило и Россию. Влияние импрессионизма испытали Константин Коровин, Валентин Серов и Игорь Грабарь, а также многие менее известные художники. "Русский импрессионизм" имеет ярко выраженный национальный колорит, что отличает его от традиционного французского импрессионизма. Многие советские художники обращались к импрессионизму, несмотря на то, что он признавался "формалистическим направлением" и говорить об этом методе в творчестве художника значило оскорблять его или даже обличать как страшную ересь.

Черты " импрессионизма "в произведениях русских художников, которые искусствоведы относят к импрессионизму, увидеть труднее, чем в работах их" коллег " из других стран. Европейские картины ярче, провокативнее и свежее, русские-сдержаннее, но гармоничнее. Они чаще всего перенимают метод нанесения мазков, искажения и усложнения композиций и новаторство цвета у западных художников, но используют его в более мягкой форме.

Авангард

Русские искусствоведы впервые употребили слово "авангард" в 1910 году в статье о выставке "Союза русских художников", где осудили "авангардистов". Сюда можно отнести различные инновационные направления в русском искусстве, обозначаемые терминами "модернизм", "новое искусство", "футуризм", "кубофутуризм" и др. Я уже упоминал эти термины, когда говорил о литературе. Существует несколько авангардных направлений

Абстракционизм. Это направление нефигуративного искусства, отказавшееся от близкого к реальности представления форм в живописи и скульптуре. Одной из целей абстракционизма является достижение "гармонизации", создание определенных цветовых сочетаний и геометрических фигур для того, чтобы вызвать у созерцателя различные ассоциации. В живописи России XX века главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (работавший в Германии, где он создал первые абстрактные композиции), Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, основавшая в 1910-1912 гг. "лучизм", и Казимир Малевич, считавший себя основателем нового типа творчества супрематизма, создателем знаменитого "Черного квадрата".

Лукизм

Относится к абстрактному искусству, основанному на размещении световых спектров и светопропускании. Михаил Ле-Данту и другие художники "Ослиного хвоста"(художественного объединения, организованного Ларионовым и Гончаровой, по названию одной из картин на выставке в Париже, написанной ослиным хвостом) работали в лукизме. Особое развитие лукизм получил в творчестве С. М. Романовича, который положил колористические идеи лукизма в основу" пространственности "красочного слоя образной картины.

Конструктивизм

Более поздний тип авангарда, относится к советскому периоду. Он характеризуется строгостью, геометричностью и лаконичностью форм. Она возникла после Октябрьской революции как одно из направлений нового, авангардного, пролетарского искусства. В условиях непрекращающегося поиска новых форм, предполагавшего забвение всего "старого", новаторы провозгласили отказ от "искусства ради искусства". Отныне искусство должно было служить производству. Большинство из тех, кто позже присоединился к конструктивистскому движению, были идеологами так называемого "производственного искусства". Они призывали художников "сознательно создавать полезные вещи" и мечтали о новом гармоничном человеке, который пользуется удобными вещами и живет в благоустроенном городе.

Супрематизм

Направление, основанное в 1-й половине 1910-х годов в России К. С. Малевичем, является одной из разновидностей абстракционизма. Супрематизм выражался в сочетаниях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой, квадрата, круга и прямоугольника), лишенных изобразительного смысла. Сочетание разноцветных и разноразмерных геометрических фигур образует сбалансированные, асимметричные, супрематические композиции, пронизанные внутренним движением. На начальном этапе этот термин, восходящий к латинскому корню suprem, означал господство, превосходство цвета над всеми другими свойствами живописи. В беспредметных полотнах краска, по мнению К. С. Малевича, впервые была освобождена от вспомогательной роли, от служения иным целям — супрематические картины стали первым шагом "чистого творчества", то есть актом, уравнявшим творческую силу человека и Природы (Бога).

Супрематизм стал одним из центральных явлений русского авангарда. В 1919 году Малевич и его ученики создали группу "УНОВИС" ("Утверждатели нового искусства"), которая развивала идеи супрематизма. В дальнейшем, даже в условиях гонений на авангардное искусство в СССР, эти идеи нашли воплощение в архитектуре, дизайне, сценографии.

Футуризм

В отличие от итальянского футуризма, русский футуризм проявлялся преимущественно в литературе. Изобразительное искусство этого жанра представлено Михаилом Ларионовым, Натальей Гончаровой и Казимиром Малевичем, о которых я уже упоминал. Трудно сказать, что эти художники принадлежали к какому-то определенному направлению авангардного искусства, так как границы между этими направлениями весьма неоднозначны. Интересным примером сотрудничества поэтов и художников в жанре футуризма является опера "Победа над солнцем", либретто которой написал Алексей Крученых, а декорации разработал Казимир Малевич.

Примитивизм

Она родилась в XIX веке, содержала в себе намеренное упрощение картины, делавшее ее формы примитивными, как работа ребенка или рисунки первобытных времен. Примитивизм следует отличать от подлинного наивного искусства. В этом жанре работали грузинский художник Нико Пиросманишвили, украинские художники Екатерина Белокур и Мария Примаченко.

Понятия абстракционизма и экспрессионизма связаны с именем Василия Кандинского, русского живописца, графика и теоретика изобразительного искусства. Этот художник считается основоположником русского абстракционизма, на его идеи оказали влияние многие течения, от немецкого экспрессионизма до французского фовизма. Он хотел сосредоточить все средства живописи на передаче сложной системы чувств и ощущений, которые живут в скрытых глубинах души художника и не зависят от материального мира. Создавая абстрактные композиции, Кандинский фактически изменил природу живописи — искусства, тесно связанного с повествованием,-и приблизил ее к музыке, которая призвана не изображать, а выражать самые сложные состояния души.

Передвижники

Ассоциация передвижных художественных выставок-творческое объединение русских художников, существовавшее в последней трети XIX века. В эстетическом плане члены Объединения, или Передвижники, целенаправленно противопоставляли себя представителям официального академизма (то есть стиля, возникшего в период возникновения академий искусств в Европе, основой которого был классицизм). Основателями общества были И. Н. Крамской, Г. Г. Мясоедов, и В. Г. Перов. В своей деятельности странники вдохновлялись идеями народничества. Передвижники вели активную просветительскую деятельность, в частности, организовывали передвижные выставки; жизнь Объединения строилась на кооперативной основе. Расцвет Товарищества передвижников пришелся на 1870-1880-е годы. Среди передвижников в разное время были И. Е. Репин, В. И. Суриков, А. К. Саврасов, И. И. Шишкин, А. М. и В. М. Васнецовы, А. И. Куинджи, В. Д. Поленов, Н. А. Ярошенко, И. И. Левитан, В. А. Серов, А. Е. Архипов и др.

Картины Передвижников отличались острым психологизмом, социально-классовой направленностью, высоким мастерством печати, реализмом, граничащим с натурализмом, трагическим взглядом на действительность вообще. Ведущими стилями в искусстве Странников были импрессионизм и реализм.

Мир искусства

Так называлось художественное объединение, созданное в России в конце 1890-х годов. Под тем же названием журнал издавался с 1898 года членами группы. Основателями "Мира искусств" были художник А. Н. Бенуа и театральный деятель С. П. Дягилев. Ядро объединения составляли выпускники гимназии имени К. И. Мая в Санкт-Петербурге. Она сделала большое заявление, организовав в 1898 году "Выставку русских и финских художников" в Музее Центральной школы техники рисунка барона А. Л. Штиглица.

Художественная направленность "Мира искусства" была связана с модерном и символизмом. В отличие от идей передвижников, художники" Мира искусства " провозгласили приоритет эстетического начала в искусстве. Члены" Мира искусства " утверждали, что искусство-это прежде всего выражение личности художника. В одном из первых номеров журнала С. Дягилев писал: "Произведение искусства важно не само по себе, а только как выражение личности творца." Полагая, что современная цивилизация противоречит культуре, "мирискусники" искали идеал в искусстве прошлого. Художники и писатели на своих картинах и журнальных страницах раскрывали русскому обществу тогдашнюю мало ценимую красоту средневековой архитектуры и русской древней иконописи, изящество классического Св. Петербург и окружающие его дворцы заставили их задуматься о современном звучании древних цивилизаций и переоценить собственное художественное и литературное наследие.

Архитектура

Промышленный прогресс на рубеже веков привел к значительным изменениям в архитектуре. Появление новых строительных материалов (железобетон, металлоконструкции) и совершенствование строительной техники позволили использовать конструктивные и художественные приемы, эстетическое осмысление которых привело к утверждению стиля модерн.

Современный

Этот стиль получил широкое распространение в связи со стилем модерн. Современную архитектуру отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных," естественных " линий, использование новых технологий (металл, стекло). Как и ряд других стилей, архитектура модерна также отличается стремлением создавать одновременно и эстетически красивые, и функциональные здания. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который был тщательно проработан. Все конструктивные элементы-лестницы, двери, колонны, балконы-были художественно обработаны. Архитектура в стиле модерн разнообразна. Этот стиль вобрал в себя элементы всех предыдущих стилей. Здания в стиле модерн могут напоминать мавританские дворцы, замки и фабричные здания. Однако, в отличие от эклектики, предшествовавшей модерну, его авторы отказались напрямую копировать формы Ренессанса и барокко.

С развитием стиля выделилось несколько направлений:

• Неоромантизм. Используются элементы романского стиля, готики, Ренессанса и др. Католический собор Французского посольства в Санкт - Петербурге (элемент романского стиля)
• Неоклассицизм. Здесь присуще обращение к традициям искусства античности, Ренессанса или классицизма. Обращение к архитектуре прошлого, стремление к полной реконструкции старого стиля, к иллюзии античности. Пушкинский музей в Москве, Азово-Донской банк в Санкт-Петербурге.
• Рационализм. Преобладание более простых форм, их лаконичность и функциональность. Термин обычно применяется не к модерну, а к более позднему стилю - авангарду. Жилой комплекс на Шаболовке.

В некоторых крупных городах и регионах модерн имел свои отличительные черты. Так появились термины: современная Вена, Берлин, Париж, в России - Москва, Санкт-Петербург, Рига, губерния и т. д. В Скандинавии существует тенденция, которая называется "национальный романтизм". В России он известен как северный модерн, или финский.

Большой интерес вызвала культура скандинавских стран. Дягилев организовал выставку скандинавских художников, знакомство с которыми оказало большое влияние на русских художников. Общение русского художника Николая Рериха с его финским коллегой Аксели Гален-Калеллой вылилось в большую дружбу, сходство их картин и взглядов на искусство неоднократно отмечалось. Финский архитектор Готлиб Сааринен (архитектор железнодорожного вокзала Хельсинки), основатель стиля "национальный романтизм", часто посещал Санкт-Петербург. Петербург, и был знаком со многими видными деятелями русской культуры. В результате образовались два часто взаимодействующих направления. Один из них - "Русский стиль". В поисках монументальной простоты зодчие обратились к древним памятникам Новгорода и Пскова. Другой - сам "Русский северный модерн", очень близкий к зданиям Стокгольма и Гельсинфорса.

Основные внешние признаки архитектуры "Северного модерна" — с большим мастерством подобранные сочетания натуральных и искусственных отделочных материалов, каждый из которых выгодно соседствует с другим. В элементы декора вводятся орнаменты, навеянные северным фольклором, образы северной флоры и фауны. Контрастные сочетания фактур, форм, разнообразие оконных проемов и их сочетание с простенками-все это превращает фасады в полном смысле этого слова в ожившую северную поэму.

Музыка. Театр

Конец 19-го и начало 20-го века были не менее богаты в музыкальном плане, чем предыдущие, а также стали немного сложнее. Особого перелома в этом виде искусства не было, композиторы XIX века продолжали свою деятельность, их традиции продолжали более молодые авторы, имевшие более свежий взгляд на вещи. Произошли жанровые изменения: опера, занимавшая основное место в русской музыке более 100 лет, отошла на второй план, а балет, наоборот, поднялся. Работа П. И. Чайковского-создание прекрасных балетов-продолжил Александр Константинович Глазунов, автор "Раймонды” и "Крестьянки". Широкое развитие получили симфонические и камерные жанры. Глазунов создал восемь симфоний и симфоническую поэму "Степан Разин". Сергей Иванович Танеев сочиняет симфонии, фортепианные трио и квинтеты. Среди молодого поколения музыкантов появились композиторы нового типа. Они писали музыку по-новому, иногда даже резко. К ним относятся Скрябин, чья музыка покоряла одних своей силой, а других пугала новизной, и Стравинский, чьи балеты, поставленные во время "Русских сезонов" в Париже, привлекали внимание всей Европы. Во время Первой мировой войны на русском горизонте восходит еще одна звезда - С. Прокофьев. Через музыку, как и через все русское искусство, проходит тема ожидания великих перемен, которые произошли и повлияли на культуру.

Особое место в мировой культуре занимали русские музыканты и певцы, находившиеся в эмиграции. Русский композитор и пианист Рахманинов, мастерски исполнявший собственные произведения и произведения западных композиторов, с неизменным успехом выступал в Европе и Америке. Ф. Шаляпин, выдающийся русский бас, удачно сочетавший в себе дар певца и драматического актера, выступал на сценах лучших театров мира и пропагандировал русское искусство и произведения Мусоргского, Римского-Корсакова, Глинки, Рубинштейна.

Серебряный век-это не только время расцвета поэзии, но и эпоха художественных открытий в театральном искусстве. В конце 19 века сценическое искусство переживало кризис, который проявлялся в том, что репертуар театров носил в основном развлекательный характер, не затрагивал насущных проблем жизни, игра актеров не отличалась разнообразием приемов. Глубокие перемены в театре были необходимы, и они стали возможны с появлением пьес А. П. Чехова и М. Горького. В 1898 году был открыт Московский художественно-общественный театр (с 1903 года-МХАТ), основателями которого были К. В. Королев, С. С. Станиславский и В. И. Немирович-Данченко, новаторы театрального искусства.

Перестроить всю жизнь русского театра, убрать всех "казенщин", привлечь все художественные силы общими интересами – так определялись задачи нового театра. Станиславский и Немирович-Данченко, используя отечественный и мировой опыт театра, утвердили искусство нового типа, отвечающее духу времени. В репертуаре театра ведущее место заняли пьесы Чехова ("Чайка", "Дядя Ваня", "Три сестры"), затем Горького ("Мещане", "На дне"). Лучшими спектаклями стали "Горе от ума" Грибоедова," Месяц в деревне " Тургенева," Синяя птица "Метерлинка, "Гамлет" Шекспира. К. Станиславский разработал систему актерского и режиссерского мастерства, выступая против дилетантизма, стремясь к воспитанию гражданина-актера, чья игра привела бы к созданию органичного процесса, согласно продуманной логике характера сценического героя, актер должен был стать ведущей фигурой театра. Художественный театр очень скоро стал ведущим, передовым театром России, что было обусловлено прежде всего его демократичностью.

Новые веяния коснулись и балетной сцены. Они связаны с именем хореографа Фокина. Русские Русские балетные сезоны были организованы Дягилевым, одним из основателей "Мира искусства" в Париже – спектаклями русских балерин (1909-1911). Эти спектакли стали триумфом русского хореографического искусства. Артисты доказали, что классический балет может быть современным, будоражить публику, если танец соответствующими танцевальными средствами несет смысловую нагрузку, органично сливается с музыкой и живописью. Успех "Русских сезонов" связан с именем М. Фокин-балетмейстер и художественный руководитель труппы. Его лучшими постановками были "Петрушка", "Жар-птица", "Шахерезада", "Умирающий лебедь".

В 1904 году талантливая русская актриса В. Комиссаржевская организовала в Петербурге собственный театр, в репертуар которого входила современная драматургия - пьесы Горького, Ибсена, Метерлинка.

Малый театр в Москве и Александринский театр в Санкт-Петербурге продолжали играть выдающуюся роль в развитии русской национальной культуры. К концу XIX века в Украине существовало несколько профессиональных бродячих трупп, в начале XX века сценическое искусство развивалось в Азербайджане и Эстонии, появились белорусские и татарские театры.

Заключение

Делая вывод о культуре рубежа 19-го и 20-го веков, я хотел бы еще раз подчеркнуть огромное разнообразие методов, типов, направлений и мнений. Серебряный век - одна из самых насыщенных культурных эпох нашей страны. И хотя первопричина всех этих тенденций почти одна и та же – смена веков, ощущение великих перемен, необходимость показать свое отношение к этому-разнообразие взглядов на эту первопричину ошеломляет. Говорят, сколько людей – столько и мнений. Эта фраза очень точно характеризует этот период русской культуры.

Серебряный век был веком тесного переплетения русской культуры с культурами других стран. Влияние западных деятелей культуры, прежде всего итальянских и французских, вдохновило русских на создание собственного самобытного восприятия; русская культура стала новшеством, быстро вошедшим в моду в Европе. Неудивительно, что таким уважением и спросом пользовались русские поэты и художники-эмигранты, которые, даже покинув Россию, оставались самыми яркими представителями ее особого культурного фонда. Это не могло не сказаться на отношениях между странами. Войны сеяли раздор, культура собирала мир, разорванный на лагеря. Художник-это человек, который принадлежит не отдельной стране, а всему миру, поэтому достижения русских художников того периода были шагом вперед не только для нашей страны, но и для всего мира.

Русская культура внесла разнообразие на улицы Европы, идеи русского искусства получили развитие в других странах, породив еще более совершенные идеи – это как бесконечный круговорот мысли и формы, который то разрушает старое, то возрождает его вновь.

Серебряный век был не менее плодотворным, чем так называемый "Золотой век" русской культуры. В эту эпоху произошло так много перемен, как незначительных, так и критических; эти годы отмечены судьбами поистине необыкновенных людей, которые решили бороться за новое или оплакивать старое. Стирая границы времени и места, стирая условности, каноны, ставя эксперимент на всем, художник того периода приходит к некоторому пониманию самого себя. Несмотря на неизбежное возникновение тоталитарной системы, художник на рубеже веков был волен увековечить в своем творчестве себя, а не человека, сидящего перед ним. И это принципиально новый подход к творчеству – опираться гораздо больше на собственные мысли, чем на чужой порядок и шаблон.

Нельзя не отметить торжество субъективности, личности, человечности в любом смысле. Является ли человек зверем, частью общества или символом чего-то большего, он все чаще появляется отовсюду, обращаясь к зрителю, читателю или слушателю. Постепенно какие-то границы приличия уходят, люди становятся чуть более раскованными и потому ближе друг к другу, и в этом заслуга искусства. Торжество интеллекта; новые, более "изящные" темы, отличные от старых, национальных или исторических мотивов, также дают определенное чувство свободы. Может быть, именно благодаря этому полету фантазии Серебряный век стал столь значимым и популярным не только у русских, но и у зарубежных ценителей искусства.

Список литературы 

1. Сайт Википедии 
2. Учебник мировой художественной культуры, 11 кл. Данилова Г. И. Дрофа 2007.
3. Культурология. История мировой культуры". Под редакцией А. Н.Марковой. Москва, 2005.